The F****ing Nicolas Cage Experience: Cara a cara, Con Air y El insoportable peso de un talento descomunal

Lo prometido es deuda entre las gentes de bien y tal como se dijo hace unas semanas nos presentamos a la maratón, o Cagetón, de películas de Nicolas Cage, a pesar de que como nos temíamos acabaríamos fritos de la espalda, que uno ya tiene una edad para según qué cosas y ya pasa demasiado tiempo seguido sentado entre semana, y sabía que eso podía ocurrir. Además en este caso, igual que en el Desembarco de Normandía, el Cagetón se desarrolló en dos frentes, y las mismas películas se vieron a la vez en Sevilla, presentadas por Paco Fox. Quizá algún día los fervientes defensores de la religión que reconoce a Nicolas Cage como nuestro Señor y Salvador organice watchparties con miles de personas, o acontecimientos de este tipo se celebren simultáneamente en cada capital de provincia, quién sabe. Algunos cultos destructivos empezaron con menos.

¿Quién es Nicolas Cage, sobrino de Coppola (el Francis Ford) y que se puso como apellido artístico el de uno de los primeros superhéroes negros de Marvel, también conocido como el Hombre Poder? Pues eso, un actor de talento descomunal que empezó su carrera en películas de prestigio pero ya de cierto tufillo peculiar, como Corazón salvaje, y que no sabemos si por convicción o pura conveniencia ha alternado papeles en producciones dramáticas de cierto calado se supone que artístico, como Leaving Las Vegas, con otras destinadas a ser puro entretenimiento y pensadas para convertirse en grandes taquillazos. Sea como fuere Nick se ha hinchado a trabajar desde que empezó en esto de la actuación, para hacernos una idea es de la misma quinta que los protagonistas de Friends, y a día de hoy es uno de los rostros más reconocibles de la cinematografía mundial. Desde 2009 su desenfrenada forma de vida y sus ostentosos gastos de todo tipo le pasaron factura, así como que, hablando en plata, sus administradores eran o inútiles o le sisaban, y por tanto entró en un período de crisis financiera que sin duda lo obligaron a meterse en proyectos de dudosa calidad que intentaban utilizar su nombre como gancho comercial, y en los que siempre él solía ser el único aliciente para ver la película. Porque Nick Cage ya es un género en sí mismo. Sólo por hablar de tiempos recientes Nicolas Cage es un titán que igual aparece con la misma convicción en un ñordo como Jiu Jitsu, de la que obviamente no hay más razón para verla sino que él está ahí, o se deja volar un güevo en Prisioneros de Ghostland vestido con un traje sadomaso, que participa con una muy contenida interpretación en El color que cayó del espacio, en rarezas como Pig o se dedica a parodiarse a sí mismo en una película metacinematográfica como es el caso que comentaremos al final.

Tal como explicó en una de las presentaciones Paco Cabezas, que lo dirigió en Tokarev, el mismo Nicolas Cage es un frikardo de marca mayor, algo que ya sabíamos porque siempre se dijo que era un flipado de los comics, el ya citado origen de su apellido artístico, su afición a las películas de género, que estuviese más que dispuesto a participar en la versión psicotrónica de finales de los 90 de Superman y que haya tenido los santos huevazos de hacer lo que algunos sólo sueñan: llamar a un hijo Kal-El, el nombre kryptoniano de ese superhéroe. Si a esto le añadimos que además fue el elegido para ser el Motorista Fantasma (qué queréis, a mí me gustan esas dos películas), o que se quitó la espinita poniéndole la voz a Superman en Teen Titans Go! todavía nos quedaríamos cortos. Porque si el amor es algo muy bonito, más bonito todavía es si es correspondido, y el amor que siente Nicolas Cage por la cultura de masas a la que él tanto ha contribuido es un amor correspondido. Nicolas Cage tiene devotos de su Arte con mayúscula por todo el mundo, y además se ha convertido, o más bien lo han hecho algunas de sus muecas, en un meme. Probablemente en un futuro lejano, cuando todos hayamos desaparecido, la gente todavía seguirá utilizando esas imágenes y dándose réplicas con algunos de los memes sacados de las películas de Nicolas Cage.

De un modo u otro nos sobrevivirá a todos.

En el caso que nos ocupa, y para hacer boca antes del estreno, se proyectaron dos películas de 1997 que se estrenaron con apenas dos semanas de diferencia, y que corresponden a la etapa en la que Cage se convirtió en uno de los actores mejor pagados de Jólibud, y que además corresponden a un período clásico del cine de acción en el que todavía no sobreabundaban los efectos especiales por ordenador, sino que todo se centraba en la espectacularidad de las explosiones reales y en las costaladas de impresión que se daban los especialistas para no afectar a la integridad física de los actores reales.

[Casi que no habría necesidad de decirlo para películas que tienen más de veinte años, pero tanto de estas como del estreno puede que haya destripes de argumento a partir de aquí, así que cada uno que haga con su vida lo que quiera.]

El primer pase nostálgico fue Face/Off, titulada Cara a Cara en España y Contracara en español latino, vaya usted a saber por qué. Como supongo que tendréis la misma curiosidad que yo a este respecto el eufemismo (y precisamente suena más guarro por serlo) que utiliza Castor Troy sobre su capacidad de "comer un melocotón toda la noche" en la versión doblada en España se convierte en "una perita", en la versión con subtítulos que vimos en este maratón se convertía en "un bombón" y en Contracara se conservó como "durazno". Quién sabe, como las palabras cambian de significado con el paso del tiempo no se puede descartar que más de uno se confunda ahora ya que el emoticono del peach, melocotón o durazno, 🍑, se identifica con el mismísimo cool'o.

Cara a cara es... un despropósito, y la interpretación de Nicolas Cage sólo se puede describir como que ha puesto el dial de la interpretación al 11 en todo momento, y lo único único que puede hacer el resto del reparto, incluido un excelente John Travolta que volvía a vivir una nueva década de gloria, es seguirle apenas el ritmo a Nick y al director John Woo. ¿Quiero decir con esto algo malo? Todo lo contrario. "Despropósito" es "Dicho o hecho fuera de razón, de sentido o de conveniencia", algo que en nuestras tristes vidas tiene un significado y por tanto deberíamos siempre evitar, pero que en una película, si se sabe controlar y no te explora en la cara, que es lo más normal, puede generar una experiencia cinematográfica tan absurda como plena igual que lo es montarse en una montaña rusa de las más locas. ¿Sirve de algo pagar una entrada en una montaña rusa, cambia tu forma de ver la vida o va a ser una epifanía, y al fin y al cabo después de un rato vuelves al mismo sitio del que partiste? Todo lo que queráis, pero te da un subidón que no veas. Pues esta película es exactamente eso, ni más ni menos. El guion no tiene sentido, algunas cosas pasan a conveniencia y en muchos aspectos es una burla a la razón. Pero es que está hecho así a propósito, y una vez vemos a Nicolas Cage pasando a la posteridad con uno de sus mejores memes, el de cura sobón de nalgas demasiado jóvenes, ya sabemos que hemos entrado de lleno en el reino de la locura. Una locura divertida y sin pies ni cabeza que está más cerca de Mortadelo y Filemón o una película del Gordo y el Flaco que de John Ford o del tío de Nick.

No os voy a desvelar algo que ya no sepáis: Cage y Travolta, respectivamente un terrorista a sueldo y un agente del FBI, se intercambian los gepetos en una operación de (pseudo)ciencia-ficción que sólo nos podemos creer por los más puros loles, ya que por si fuera poco luego la forma en la que la mujer del agente obtiene una prueba irrefutable del cambiazo es que los dos tienen grupos sanguíneos totalmente distintos, pero aquí no hemos venido a darnos cuenta de que se violan las más elementales leyes del rechazo entre donaciones de órganos, aparte de que nos plantean que quitar una cara y poner otra lo hacen parecer tan simple como cambiar una pegatina, sino a desfasar a base de bien. Otro elemento recurrente en las pelis de la época, y que de vez en cuando reaparece en películas con algún elemento fantástico, es el de la "fortaleza infernal", una penitenciaría con medidas de seguridad propias del más desmadrado estado fascista y elementos tan fantasiosos como unas botas magnetizadas muy cucas. Cualquier instalación de máxima seguridad habría valido para el caso, pero la película, reitero, está puesta en todo momento al 11, y eso que salimos ganando todos. Por cierto que otro "fallo" del guion es el nombre de los personajes. Quizá alguna gente no entienda que la relación entre los dos hermanos sea tan intensa, lo que justifica la elección de los nombres Cástor y Pólux, pero aun así no tiene mucho sentido ya que los dos hermanos del mito son gemelos, mientras que en la película Pollux es el hermano menor. Sus padres tenían mucha fe en el destino, como poco. En la versión traducida lo que llama Castor Troy a su hermano pequeño es "hermanito", lo que a este lo chincha un poco, pero en la versión original es sencillamente "bro", así que nuevamente comprobamos lo rápido que puede cambiar el lenguaje.

¿Qué más se puede decir? Tenemos a John Woo en su salsa, a Nicolas Cage pasadísimo de vueltas en cada escena, a John Travolta imitando a Nicolas Cage, cámaras lentas para mostrar la infinita molonidad del villano y, eso ya ni se pregunta, más palomas dentro de una iglesia que en una convención mundial de colombofilia. Hay rumores de que puede haber una segunda parte todavía no se sabe de qué manera, y todo el mundo ya os imagináis lo emocionado que está por ello:

Es fácil venirse arriba con una película como esta, así que el reto es mantener el subidón, y por eso no puede haber mejor elección que ver inmediatamente después, previo paso de estirar las piernas y cambiarle el agua al canario, claro, Con Air. Convictos en el aire.

Reconozcámoslo: tras ver la primera película, y después de conocer otros trabajos del mismo actor, podríamos llegar rápidamente a la conclusión de que Nicolas Cage no es más que un histrión (por si no lo sabéis, el femenino es histrionisa, no histriona), palabra antigua que significaba eso, actor, pero que terminó refiriéndose a una forma de actuar, probablemente la predominante durante siglos, en la que los actores declamaban de forma exagerada y rimbombante los textos, a la vez que exageraban también sus gestos faciales y corporales. Lo que también llamamos sobreactuar, o una actuación a la que le falta naturalidad. Es inevitable aceptar que Cage, cuando quiere o cuando lo dejan, puede ser un excelente histrión, pero sólo si la ocasión lo merece. En Cara a cara Castor Troy sólo puede ser interpretado de forma satisfactoria de forma histriónica, el mismo Travolta lo hace también, y si a cualquiera se nos inflamase el cráneo con llamas producto de una posesión infernal a ver qué cara pondríamos. 

Por eso, aunque Con Air es otro desmadre absoluto, el personaje en este caso, Cameron Poe, lo interpreta de forma completamente diferente y sin histrionismo: padre de familia, convicto arrepentido y buen tío en general, lo único que quiere es reunirse con su familia, que consiste en una mujer y una niña que podrían ser protagonistas de cualquier cartel en el que se cantaban las alabanzas de la más pura raza aria, porque sencillamente las dos no pueden ser más rubias, es algo hasta exagerado. El muchacho, un exranger que ya ha pagado por completo su deuda con la sociedad, es además de Alabama, y ya no entro en los chistes de "Alabama man" y de las pintas de paleto que se gasta en toda la película, aunque no da de todo el tipo porque tiene demasiados dientes. Tal como dice el avance de la época, se sube en el avión equivocado, aunque en realidad eso tampoco dependía en absoluto de él. Y sus poco apetecibles compañeros de vuelo son una perfecta reunión de clichés de criminales ultrapeligrosos a cada cual más bestia y con una lista más impresionante de crímenes aberrantes en su historial. El reparto está lleno de estrellas ya consolidadas como Jonh Malkovich, otro actor que con un sólido prestigio en teatro y películas "serias" se pasó en cuanto pudo al cine de acción y grandes presupuestos para cobrar cheques cada vez con más ceros, y otras tan conocidas como John Cusak y Danny Trejo, además de muchas otras caras conocidas.

Si bien Con Air no es un despropósito sí es un despiporre de principio a fin, otra montaña rusa sin descanso con un ritmo endiablado en el que tenemos que creernos, como suele ser lo habitual en películas con premisas parecidas, que unos convictos encerrados en prácticamente un aislamiento total pueden planear de forma casi milemétrica un complicado plan de fuga que por supuesto va a funcionar con la precisión de un reloj suizo... hasta que llega el héroe de turno y como ya sabemos lo echa todo a perder. Por supuesto el aguafiestas es Nicolas Cage, que ya desde el principio nos regala otro conocido meme, el momento Timotei, palabra esta de timotei que es el nombre en finlandés de la vulgar hierba triguera, para que no digáis que leyendo mi blog no se aprende nada:

"Contemplad la magia de mi pelo."

Nuevamente, qué os voy a contar que no sepamos todos ya: no hay suficiente maldad ni malvados en el mundo que se puedan oponer a un héroe elegido por el mismo Dios para repartir su justa cólera, y el señalado por la divinidad superará (relativamente) indemne todas las muchas pruebas que le depare el metraje, ya sea en el aire o en tierra, y si hubiese sido necesario lo habría hecho también en la mar océana. Engañará a sus enemigos, escapará de una gigantesca deflagración de combustible, salvará la vida de su amigo que es un convicto honrado y repartirá yoyas a todo el que intente impedir que pueda reunirse con su familia nuclear; de paso impartirá justicia contra todo aquel que suponga un desafío al orden social, de modo que asesinos y violadores recibirán cada uno la justicia que se merece, por supuesto de forma espectacular y salvaje por medio de persecuciones, explosiones y la aplicación de generosas cantidades de ultraviolencia.

En este caso, como la premisa no es un chiste en sí misma como ocurría en Cara a cara, hay mayores dosis de humor que nos recuerdan que esto es ni más ni menos que lo que hemos venido a ver, un despiporre.

Eso sin contar que luego, si lo pensamos, encontraremos no pocos sinsentidos, como que el avión consiga seguir volando después de que un helicóptero de combate lo fría a tiros o el absurdo mismo de que alguien se plantee en serio derribar a un avión civil como si aquello fuera la guerra. Pero aquí hemos venido a jugar, y las reglas del juego está claro que son bastante laxas.

Sin embargo, la película tiene un extraño verso suelto, y que es de difícil interpretación, el personaje de John Buscemi, actor muy de moda en la década de los 90 y que por las peculiaridades de su rostro era propenso a caer en papeles como el de esta película, en la que interpreta a un psicópata nivel Hannibal el Caníbal. Es por tanto tratado como un héroe por el resto de los convictos más peligrosos, pero sólo porque esto es una película, y no vamos a entrar en que los presos, incluso algunos con delitos muy graves, sienten verdadera repulsión por otro tipo de crímenes horrendos, véase M, el vampiro de Düsseldorf. Pues bien: este personaje no hace prácticamente nada en toda la película, excepto mantener algún que otro diálogo tenso con el protagonista y poner la misma cara de póker cuando las balas de 50 mm pasan a su alrededor que la que mostraría si estuviese viendo llover. Como hemos visto que el resto de los malvados a la mínima oportunidad que tengan reinciden en su maldad cuando este peligrosísimo psicópata se encuentra a solas con una niña que anda sola por ahí porque sí en un lugar sombrío de mala muerte (porque es una película, y esas cosas pasan), nos tememos lo peor, pero cuando el avión vuelve a despegar con el psicópata dentro la misma narración nos asegura por medio de la aparición de la niña que no sólo esta sigue viva, sino que ha pasado un buen rato jugando con el asesino, a quien al acabar la película veremos que es el único que ha escapado tranquilamente del vertiginoso final y se encuentra con la misma cachaza de siempre jugando en un casino de Las Vegas mientras suena Sweet Home Alabama. ¿Acaso el personaje, definido por un radical nihilismo y que nos ha dado su versión de lo que es la ironía, ha comprendido por medio de esa película de destrucción y matanza que se ha desarrollado a su alrededor que es lo mismo ser un criminal odioso que alguien que no lo es? Bueno, es una interpretación, pero tampoco tenemos que pensar que va a quedar completamente impune y quizá sólo está echando un buen rato antes de que tarde o temprano lo vuelvan a enchironar, porque con esa cara el incógnito no es una opción. La interpretación de si el personaje realmente ha tenido una epifanía o cuál va a ser su destino último ya queda a gusto del espectador.

Hay que aclarar que, al igual que en la pasada ocasión, el visionado de estas películas fue en estilo libre, estaba admitido dirigirse en voz alta a los protagonistas o escojonarse de momentos como ese en el que Nicolas Cage parecía que había estado horas esperando en el laboratorio a que su mujer se decidiese a hacer el análisis de sangre clave, anda que no es casualidad que eligiera el laboratorio correcto y que además esté convenientemente vacío, pero lo trepidante de ambas tramas y la profusión de disparos y explosiones tampoco es que dejase mucho espacio para que la platea se pronunciase. Esto se redujo todavía más en el caso de la película de estreno, tanto por lo interesante del argumento y los diálogos como por eso, que nadie la había visto todavía y no queríamos perder ripio de lo que pasaba en la pantalla.

Disculpa me perdona: ¿que Paco León no se ha doblado a sí mismo? Venga, no me jodas. Ya sé que a veces es difícil cuadrar agendas o que puede que incluso no lo llamasen para hacerlo, pero perderse la voz del Luisma, qué disgusto. En fin... no haré más comentarios.

Tenemos en este caso una metapelícula: una película en la que Nicolas Cage se interpreta a sí mismo. Muchos comentarios hubo sobre este particular cuando se anunció el proyecto, y por supuesto de este modo Nicolas Cage pasa al panteón de actores que no sólo han hecho una pequeña aparición o cameo haciendo de sí mismos, sino que en toda la extensión de la palabra se han interpretado a sí mismos en una película entera. Para ir haciendo boca y prepararnos para la experiencia metacinematográfica entre los avances y publicidad previos a las películas se incluía el de la misma F****ing Nicolas Cage Experience que encabeza esta entrada, así que nos animaban a asistir a aquello mismo a lo ya estábamos asistiendo, y esto provocó metacomentarios del tipo "¡Joder, parece interesante, no me lo perderé!" o "¡Habrá que ir!"

Esta película que cierra el Cagetón es no sólo muy disfrutable, sino que funciona como un mecanismo de narración posmoderno a varios niveles. Aunque reacio en principio a hacerla, pues temía que la película fuese una burla velada de su persona (ya sabéis, una cosa es el guion que lees y otra el producto final que se obtiene después del montaje final), y sin que sepamos si el mismo Cage metió mano en el guion o dio algunas ideas, a un primer nivel esta película es una reivindicación del mismo Cage como actor, de las elecciones que ha tomado en su carrera y de la misma idea del cine no sólo como arte mayor, sino como fábrica de sueños, de puro entretenimiento y como elemento inspirador en nuestras vidas. Por supuesto no sabemos qué es lo que piensa en auténtico Nicolas Cage de algunos temas que se tratan en la película, y él mismo se ha encargado de especificar que lo que vemos en este título es una versión ficticia de él mismo, pero es difícil no imaginarse que a pesar de que se toma muy en serio su profesión, el arte dramático, el Cage real también piensa que actuar es fundamentalmente su trabajo, la forma en la que se gana la vida como cualquier otra persona, aunque en su caso le haya permitido mantener ciertas conductas alocadas de gran estrella, comprar castillos, mansiones y muchos objetos extravagantes, y en definitiva abundar en la idea de que todo trabajo es digno si te pagan por él y tú te lo tomas con profesionalidad, incluso si tienes que aparecer en un mojón de película, y no olvidemos que en España en cuestiones laborales el que más o el que menos ha terminado diciendo "en peores plazas he toreao".

Javi Gutiérrez, el personaje interpretado por Pedro Pascal (el Mandacaralloniano), representa básicamente al espectador de la película: el rendido admirador del actor hasta llegar al punto de la idolatría, y que lo ve más que como un actor como un médium que de forma casi sobrenatural consigue crear magia, el cine, y que cuando conoce al auténtico Cage descubre que como persona es incluso una persona más digna de admiración. Porque la película es también, por supuesto, un bromance o machomance como pocas veces se han visto: rápidamente nace una profunda amistad entre los dos a través de un amor común que es el cine, además de la afinidad personal, y mientras discuten la posibilidad de hacer una película y sus distintos giros del argumento estos en paralelo se producen en la misma película que nosotros estamos viendo. Todo esto, mal hecho, sería un frangollo muy difícil de digerir, pero la película se las apaña para salir airosa en todo momento. Hay momentos hilarantes, que demuestran que Nicolas Cage puede hacer comedia perfectamente, y todo transcurre en un tono ligero que no frívolo, incluido el tercer acto en el que ya hay tiros y persecuciones, y aparece una "navaja de Chéjov".

La película transcurre en su mayor parte en Mallorca, y el arranque de la película es el secuestro de la hija del presidente de Cataluña (no vamos a pedirle al guion original que sepa que debería decirse la Generalitat), y un momento antes de que se produzca la muchacha está viendo con un amigo el final de Con Air. También habrá referencias a otras varias películas interpretadas por Cage, sobre todo a Cara a cara, así que la elección de las dos películas anteriores no fue casual. La película se rodó en Mallorca en gran parte, por tanto los paisajes y calles que veremos son reales, buena publicidad para la isla, oímos que suena una canción de Luz Casal y, como todos sabíamos ya, aparece Paco León teñido de rubio y hablando en inglés con patriótico acentazo español. Como en este blog nos gustan ese tipo de análisis más que a un tonto un lápiz no me voy a privar: el uso del español en la película es... aleatorio por decir algo. Es lógico que si todos saben hablar inglés hablen en ese idioma cuando esté presente Nicolas Cage, pero por alguna extraña razón Pedro Pascal y Paco León cuando hablan entre ellos intercalan frases en ambos idiomas sin que eso tenga ningún sentido, y tampoco lo tiene que el empresario español y su secretaria hablen entre ellos en inglés porque sí. Sí que hay que reconocer que al menos, igual que ocurrió en Origen de Dan Brown, se han molestado en que el español que se oiga sea reconocible como español ibérico, nuevamente no sabemos si estaba así en el guion original o echaron mano de los actores españoles como Paco León o quién sabe si de dos actores que hacen un papel de figuración como Majorcan Guy #1 y Majorcan Guy #2, el pelirrojo Enrique Martínez y el calvo Manuel Tallafé, que se están comiendo tranquilamente un helado sin meterse con nadie. Así que sí, Paco León habla como un español cualquiera y dice cosas como "el que maneja el cotarro", mientras que el chileno Pablo Pascal, que lleva viviendo gran parte de su vida en los EEUU, tiene un acento un poco vacilante e incluso cuela un "¿Qué onda?" que tendremos que explicar con que probablemente su personaje también se educó en el extranjero. Pero bueno, sólo es un detallito. Del mismo modo cuando por fin la hija del presidente de Cataluña conoce a Nicolas Cage nunca diría para sí misma en inglés "The fucking Nicolas Cage", sino algo como "Cony, nen, és el puto Nicolas Cage". Catalán o mallorquín no aparecen en la peli, a no ser que uno se fije en algún cartel, que entonces sí que los encontrará.

La película además de mostrar referencias a otras películas de Cage permite que el actor se parodie a sí mismo y se ría de algunos de los rumores que circulan sobre él. Incluso aparece una versión más joven del propio actor, de hará unos treinta años, los tiempos en los que salía en películas como Corazón salvaje, versión rejuvenecida esta que protagoniza el único momento erótico de la película con una afirmación respecto a la que nunca hemos tenido duda alguna: "Nicolas Cage da buenos morreos", y cualquiera que los reciba se entrega a ellos con pasión. Ya lo entenderéis cuando veáis la película. Por supuesto también hay una referencia al "Nouveau Shamanic", el método interpretativo que Cage usa para crear sus personajes, y del que habla muy en serio cuando le preguntan, pero no se lo toma tan en serio como para no hacer un buen chiste sobre ello.

Por último la película acabará con un giro que algunos vimos venir, aunque reconozco que tampoco hay que ser un lince para intuir lo que va a suceder: la última escena que completa el tercer acto no es ya la de la película que estamos viendo, sino que es la última escena de la película de la que se habla a lo largo de la película que hemos estado viendo, así que aparece otra actriz interpretando a la hija del protagonista y la actriz que hemos visto que es su exmujer se convierte en Demi Moore, para volver luego a la realidad de dentro de nuestra película porque nos encontramos ya en el estreno de esa película creada por Javi Gutiérrez y Nicolas Cage y de la que tanto los hemos oído hablar, y esto nos conduce a las últimas escenas donde se hace la última reflexión sobre el amor al cine y a contar historias, y el efecto que estas tienen en las vidas de la gente.

Porque muchas cosas puede que sean contingentes, pero desde luego no hay duda de que Nick Cage es necesario.

-SuperSantiEgo

TDC Weekend: Estrenos de Todo a la vez en todas partes, Top Gun Maverick, y cuatro pelis de culto de los 80

 

La semana pasada hubo excusa para salir de casa, porque sí, yo sigo trabajando en mi habitación desde que empezó el confinamiento hace más de dos años, y esta excusa fue que se proyectaban seis películas, seis, por parte de la gente de Tiempo de Culto, colectivo que comparte efectivos con Cinecutre y en general el Foxverso. Si alguien no entiende algo de este párrafo, no se lo voy a explicar.

La cuestión es que el viernes y el sábado se proyectaron estas seis películas, pudimos desvirtualizarnos gente que sólo nos conocíamos a través de Twitch y eso, que vimos lo que además fuimos a ver. Las películas las fueron presentando estos dos señores y algún que otro personaje que se unió a la fiesta, e incluso se hizo un breve concurso de preguntas con premios tan preciados como deuvedeses y palomitas de maíz para microondas.

Grogu no se lo quiso perder.

Empezamos con la siguiente:

¿A santo de qué pusieron esta película que es básicamente una parodia al 80% de Top Gun con algunos añadidos de otras pelis de la época? Porque la idea inicial era proyectar en sesión doble esa película y su actual secuela, pero los organizadores no lo consiguieron y optaron por ponernos de aperitivo esta parodia que básicamente cuenta la misma historia, para qué nos vamos a engañar. Además, tampoco es que haya sido imprescindible ver la primera parte para entender la segunda. La parodia es una de las más conocidas de la época y está a cargo de las mismas firmas que durante esa década hicieron que ese género viviese cierto esplendor. Vamos, que te ríes en más de una ocasión, algunos chistes y golpes de humor siguen haciendo gracia y luego hubo una segunda parte incluso mejor, Hot Shots 2. Como es bien sabido, las comedias son más divertidas vistas en compañía, y las pelis de miedo dan más canguelo si las ves solo.

De todos modos hace poco, y como estaba en Prime, me volví a ver la Top Gun original porque, que yo sepa, sólo la vi una vez, y además unos añitos después de su estreno, que no vi en el cine... porque en aquella época yo ya pasaba de ciertas cosas, supongo, o quizá porque nadie me dijo de ir a verla, ahora no me acuerdo. La verdad es que como peli de acción, avioncicos que hacen cosas por el cielo y rollo patriotero, pues funciona más que aceptablemente y se nota que estaba a los mandos el hermano listo de Ridley. Estamos hablando de que estábamos en plena fase final de la Guerra Fría, en la Era Reagan, y que coincide en el tiempo con Rambo y otras películas por el estilo. Es bien conocido que hubo un considerable aumento de solicitudes de ingreso para ser pilotos, y que todo el mundo quería tener la chupa de cuero, las gafas de sol y la moto de Tom Cruise, y ya puestos a pedir, la rubia del cartel. La película es famosa además de por todo eso por sus canciones, por la interpretación gay de Tarantino y porque hizo despegar definitivamente las carreras de Tom Cruise y de Val Kilmer.

Con algo más de enjundia que su primera parte, y ya con Tom Cruise como único vehículo de lucimiento, hay que reconocer que pese a algunos elementos modernos parece que en algunos aspectos no ha pasado el tiempo. En primer lugar para el actor, que a sus ya sesenta añazos nos hace creer que realmente el ejército podría ofrecerle una misión de ese tipo, y lo mismo se puede decir para la forma en la que está rodada, a la antigua, con un mínimo de cgis y casi todo en imagen real. Por lo demás, pues para eso está la suspensión de la incredulidad: tenemos que creernos que a esa edad no sólo sigue en el ejército, sino en activo, y que como la misión que ejem ejem, la trinchera del Episodio IV, ejem, sólo se puede realizar con aviones ligeramente anticuados de cuarta generación porque patatas, pues llaman al veterano para que entrene a los ya avezados pilotos que tienen que llevar a cabo la misión. Entre ellos se cuenta el hijo del gran amigo de Tom que muere en la primera parte, Goose, zagal al quien vimos en la primera parte y que tendría que estar buscando por tanto ya los cuarenta años, que obviamente no aparenta, igual que el resto de pilotos tiene una pinta muy joven. Obviamente Tom y su ahijado no podían ser amiguitos, entonces dónde está el drama, así que están peleados, y por supuesto aparece un antiguo interés romántico encarnado por la siempre bellísima y talentosa Jennifer Connelly.

A partir de ahí el argumento funciona como un reloj; es decir, con precisión pero también de forma absolutamente predecible. Pero bueno, estamos viendo una peli destinada a ser un taquillazo, algo que está consiguiendo de sobras, no una obra de teatro del absurdo. Como era de esperar Tom sigue siendo un maverick, va por libre, y el destino lo va recompensando por el camino: se enfrenta a sus superiores,  consigue el respeto y admiración de sus alumnos y un poco por arte de birlibirloque termina comandando la gran misión que sólo se puede realizar echándole un par de co-jo-na-zos al viejo estilo, que es un poco lo que viene a ser toda la película. Tal como todos sabíamos que iba a ocurrir Tom consigue que los USA se impongan a... alguien. Porque en la anterior película obviamente los malos eran los rusos y sus aliados, vuelvo a insistir que aunque ya en tiempos de distensión la Guerra Fría no había terminado, pero en este caso los malvados que quieren crear una planta de procesamiento de uranio y que conducen unos aviones SU-57 rusos de quinta generación que pueden dar matarile a los F-18 de nuestros chicos no sabemos si son eso, rusos, norcoreanos o chinos, porque casualmente, ya es mala suerte, justo los que vemos no llevan ninguna insignia reconocible, y los pilotos usan unos cascos completamente opacos, así que podrían ser incluso extraterrestres. Son malos, malos más genéricos que el paracetamol.

Es de reseñar que en el tercer acto, lo que viene a ser la resolución de la épica misión, se alarga no sólo para que Tom y el zagal (que, repito, debe tener ya cuarenta años) tengan su momento especial y que veamos que un luchador por el mundo libre se las apaña en cualquier circunstancia, que por algo son el país del emprendimiento. Por eso todos, al ver una de las escenas anteriores, en las que aparecía por ahí un F-14, los aviones protagonistas de la primera parte y que ya no se utilizan por el ejército USA, nos sospechamos que se iban a marcar una sacada de chorra especial en plan fanservice que provocase el aplauso unánime de la platea, como así ocurrió. Al final Tom se reconcilia con su pasado, salva al mundo, se queda con la madurita, que ya le gustaría a más de una de treinta estar así, y se aleja triunfante hacia el horizonte en el que vemos una puesta de sol.

En la sala de al lado ponían una que era un drama costumbrista. Nadie nos obligó a ver esta.

Al día siguiente, sábado, vimos en sesión matinal, para empezar el día descansados, el otro estreno, que es Todo a la vez en todas partes, o Todo a cholón en todas partes como título alternativo:

Y es que, señoras y señores, que en culo todos tenemos flores, los multiversos están de moda. No me preguntéis cómo, pero así es, y nadie sabe cómo ha sucedido. Lo que hasta no hace mucho parecía un concepto que difícilmente podía llegar al público general y que sólo era patrimonio de los lectores de ciencia ficción o de las locuras abigarradas que son los universos superheroicos, resulta que ahora triunfan en productos que llegan a muchos millones de personas. He ahí la reciente entrega de Spider-man, en la que como si fuera un especial de Doctor Who se reúnen los tres actores que desde 2001 han interpretado al personaje. Algo que, no lo vamos a negar, a todo aficionado hizo que el culo se le hiciese gaseosa, y que es del mismo modo un truco para conseguir que como mínimo todas las películas de factura Sony, y las de Fox de mutantes con la aparición de Patrick Stewart en la peli de Doctor Strange, se conviertan en semicanónicas y se puedan seguir vendiendo como parte del UCM. Por ese lado, buena jugada, permiten meter cosas muy locas en las siguientes fases de ese UCM, como ya insinuaron en la serie de Loki, y a partir de ahora cualquier incoherencia o falta de continuidad ya sabemos cómo se explicará: si no es que lo hizo un mago, es cosa del multiverso. Si no lo entiendes, haber estudiao. No sé exactamente qué, pero haber estudiao.

Lo de esta portada, ¿qué? ¿Era para despistar?

Si uno es frikardo lo de los multiversos, sin embargo, se lo trae ya sabido de casa. ¿A qué me dedicaba yo en 1986 en vez de ver a Tom haciendo cruising por las pistas de voleibol? Pues quizá estaba leyendo El número de la bestia, de Robert A. Heinlein, editado en 1980, y en la que se supone que el número de la bestia es (6^6)^ 6, el número de universos adyacentes al nuestro y de fácil acceso, de modo que Heinlein retoma a gran número de sus personajes de otras novelas suyas y los hace recorrer el multiverso de ese autor en una historia muy loca que corresponde a la etapa final de ese siempre polémico autor de tendencias libertarianas, y en la que incluso aparece un personaje que cambia de sexo, para que veáis lo modernos que eran algunos hace cuarenta años.

Más reciente, e incluso más cercana en argumento a este reciente estreno, está El elegido (2001), una putrícula que demuestra que puede que haya buenas y malas ideas, pero incluso las buenas hay que saber llevarlas a buen puerto y sacarles partido. En este caso de manera bastante insulsa nos cuentan una historia de multiverso cogida con pinzas, y que además se convierte en un desastre glorioso por medio del doblaje al español, pues nos hablan varias veces del universo penal jeids, hasta que vemos eso escrito y leemos que es Hades. En fin... Ya, ya sé que no hacía ninguna falta recordar esta película y que habíamos conseguido olvidarla, pero no pienso sufrir yo solo. 

Volviendo a la película de los Daniels y protagonizada por Michelle Yeoh, otra que entra en los sesenta palos de edad como si tal cosa, tenemos de nuevo una historia de multiversos en colusión y en la que distintas versiones de una misma persona pueden ceder recuerdos y habilidades a otra en medio de un conflicto cósmico en el que un ser humano ha llegado a ser consciente a la vez de todos sus yoes posibles. Esto le confiere un poder casi divino y lo aboca a una suerte de desolación cósmica, ya que por medio del conocimiento del todo, y de que todo es posible y por tanto absurdo en sí mismo, se alcanza el nihilismo absoluto. Suena mucho más serio de lo que es, porque en realidad la película es todo lo contrario, y las bases filosóficas que la sustentan bastante evidentes: igual que para Nietzsche hay un buen y mal nihilismo, y Camus dice que en el mismo absurdo de la existencia es donde ésta puede cobrar su verdadero sentido humanista, la película resuelve esa desolación existencial por medio de la resignación ante la misma inmensidad de la propuesta. Es decir: tan lógica es la desolación y el deseo de, ante la crueldad y arbitrariedad del mundo, querer regresar a la nada, alcanzar la extinción de todo deseo y existencia como herencia de la tradición religiosa asiática, como puede ser lógica la aceptación de cuál es esa verdadera esencia del universo y centrarse en la compasión y en hacer llevadera la carga de la existencia a los demás después de haber alcanzado la iluminación. El final puede entenderse, quizá de forma cínica, como un tanto edulcorado, pero eso ya también es un poco a gusto del consumidor.

Todo esto suena muy profundo, y sin duda lo es, pero no debemos olvidarnos de que esta modesta producción, que sin embargo tiene a actores reconocidos y hace que parezca que el presupuesto ha sido aprovechado en cada dólar, es una película divertidísima que aprovecha para contar de forma más que efectiva un drama personal, una historia de amor familiar y el conflicto cósmico ya expuesto, todo aderezado con peleas espectaculares, diálogos ingeniosos y momentos de despiporre en los que se nota el mimo que se ha puesto en cada pieza del guion. Si no te ríes con un universo en el que la gente en vez de dedos tiene perritos calientes, es que lo tuyo no tiene remedio.

Por último y ya por la tarde nos vimos en maratón tres pinículas ochenteras o de videoclub del género "el derechismo bien entendido conduce a la acción", como se dice en nuestro blog hermano y amigo Vicisitud y Sordidez. A todo esto falta comentar una cosa, y es que en este tipo de saraos el visionado es lo que se denomina de "estilo libre", en el que prima la espontaneidad y la interacción con la misma película. Así que aunque sí hubo algunos comentarios en la de Top Gun, que tampoco te dejaba en algún momento mucho espacio para respirar, y en general la gente no abrió mucho el pico enfrascada como estaba en las complejidades del multiverso, se espera que en el caso de la apoteosis del cine de consumo palomitero la experiencia colectiva se aderece con comentarios, gracietas, albures y retruécanos, lo que hacemos más o menos en el típico visionado de ese tipo de películas en casa entre amigos, sólo que con más gente. De hecho la audiencia ya calentaba motores incluso con la publicidad que insertaron antes de cada película, en la que una animación nos contaba los infortunios del pobre Ramón con su negocio y su falta de personal, de modo que todos saludábamos con un "¡Hola, Ramón!" cada vez que este aparecía, y a partir de ahí barra libre. Yo nunca he estado en la India, pero algunos que sí han viajado allí y por alguna extraña razón han ido al cine en ese subcontinente dicen que la experiencia es sencillamente surrealista, los espectadores literalmente LO VIVEN, tienen conversaciones con la pantalla y cuando se baila, y en casi todas las películas indias se baila, la gente se levanta de la butaca y se pone a menear el bullate. Algo así me contaba mi padre de cuando él era pequeño y alguna gente no lo podía evitar, y así alguna señora mayor al ver una película de María Félix de repente estallaba y le gritaba a la pobre mujer que dejase a ese sinvergüenza, que no la merecía, o algunos intentaban advertir a John Wayne de que el forajido lo esperaba detrás de una roca con malas intenciones. Eso con el streaming se pierde, esa es la verdad.

Pues eso, que en el cine no se habla... pero a veces sí.

Primero nos empujamos Delta Force, una de las más conocidas películas de Chuck Norris en la que se recrea de forma chanante la cultura de los secuestros aéreos que habían dado mucho que hablar en los años anteriores. Veremos cómo los musulmanes son muy malos y persiguen a los judíos, que sin embargo se llevan muy bien con los cristianos americanos que sus compatriotas de la Delta Force tendrán que ir a rescatar. A ver, que también se entiende que tenga que existir un cuerpo así, porque básicamente lo que vemos es que la seguridad del mundo entero es un pitorreo, los terroristas andan por Líbano como Pedro por su casa. Para hacer justicia a tales despropósitos cada vez que sonaba en pantalla la sintonía principal de la película, que es la que se eligió hace tiempo para los saraos de Tiempo de Culto como se ve en el primer vídeo de esta entrada, todos tarareábamos la tonadilla y marcábamos el compás dando palmas. Cada vez que Chuck le aplaudía la cara a alguien, o cuando se carga al malo a poco sutiles misilazos después de haberle hecho entender el temor de Dios a base de hostias dadas de canto, pues imaginaos el nivel de decibelios que alcanzaba aquello jaleando a los comandos especiales del mundo libre. Poco más se puede decir de un clásico así.

A continuación, la película que dio a conocer al mundo a los Músculos de Bruselas, una de las pelis fundamentales del cine de artes marciales hostias: Contacto Sangriento, o Bloodsport. Aparte de sus muchas virtudes como peli de hostias pasados los años nos permite una reflexión sobre cómo algunas cosas han afectado al mundo a través de la globalización. Hace poco supe de un grupo que un poco en la onda de los Village People (cantaba uno, y los otros bailaban), funcionó en Brasil entre los últimos años de la década de los 70 y principio de los 80, Grupo Súper Heróis, en el que Supermán, Spider-man, Thor y la Mujer Maravilla cantaban canciones destinadas a un público juvenil, y que gozaron de gran éxito en su país hasta que en 1982 se les ocurrió viajar a Portugal. Sólo así después de cuatro años se enteró la Marvel de que estaban usando sin ninguna compensación sus propiedades intelectuales, y la discográfica recibió un mensaje que más o menos decía: "¿Estáis de coña o qué?". Sin embargo hace no mucho a un impostor que se hacía pasar por PSY, el de Gangnam Style, lo detectaron en cero coma porque el verdadero estaba en otra ciudad muy lejana donde iba a dar un concierto, así que aquello era imposible, y en los tiempos de los smartphone y las redes sociales el engaño no dura ni un rato. Esto viene a cuento a que la película interpretada por Van Damme es el supuesto biopic de Frank Dux, un artista marcial de gran éxito en USA y que sigue teniendo bastantes seguidores que se creen que realmente existió un kumité del que nadie más en el mundo ha oído hablar, y todavía en 1989 era común en revistas del ramo como Dojo, o en las publicaciones de comics de artes marciales de Vértice en las que conocimos a Shang-Chi, que hubiese reportajes que daban por buenas todas las fantasmadas de supuestos iniciados en esotéricas técnicas de lucha que casualmente sólo ellos conocían y que habían aprendido en largos viajes iniciáticos a regiones del lejano oriente. Frank Dux a este respecto no era más que un continuador de una poco noble casta de timadores que vendían orientalismo o exotismo baratos, entre los que se cuentan Lobsang Rampa, la misma Madame Blavatsky o Carlos Castaneda, que en otros tiempos más sencillos y en los que confrontar información era mucho más difícil podían decir que habían aprendido a hacer ganchillo con los lamas o que un señor muy raro y muy sabio los había hecho depositarios de todo su arcano saber y poderío a ellos y sólo a ellos... porque sí.

Esto no quita que la película sea una gozada aunque tenga el mismo contacto con la realidad que la Abeja Maya: hay muchas hostias y muy bien dadas y, aunque el argumento cabe en un papel de fumar y todavía te sobra para hacerte un filtro, se lo pasa uno muy bien con esa ristra de gente que parece sacada del Máximo Encuentro de Artes Marciales Bajo el Sol de Dragon Ball. Obviamente cada vez que en pantalla sonaba la canción todo el mundo coreaba ¡ku-mi-té ku-mi-té ku-mi-té! y I fight to survive como si no hubiera un mañana, se abucheaba a Bolo Yeung (conocido de toda la vida en España como "el chino con tetas") cuando exhibía conductas antideportivas, todos nos pusimos de lado de Paco en sus combates y por supuesto

en este momento el cine se vino abajo. Cualquier cosa que os podáis imaginar palidece ante lo que pasó en esta sesión de estilo libre.

Por último, y para acabar por todo lo alto, Comando. Esta por supuesto que la vi en cine, y como buenos frikis en potencia me acuerdo de que ya había discusiones en el patio sobre si era mejor esta o Rambo, o si estaba más mazado el Chuache o Stallone. A mí no me pongáis en la tesitura de quedarme con uno, porque nunca se debe hacerlo entre dos amores, y es un poco como tener que elegir entre el chorizo y el salchichón. Comando tiene todo lo malo que nos gusta y es por tanto bueno, y de jovencitos ya entendimos que aquello era una parodia de sí mismo, una exageración que no te podías tomar en serio más que para reírte y pasarte un buen rato viéndolo, y qué más se le puede pedir a la vida. La cantidad de salvajadas, muertes y destrucción que va sembrando Arnie a su paso se aderezan con las distintas burradas que además vamos escuchando, con frases míticas como "Es un gigante, el muy hijo de puta",  "Te mentí" o el que me parece que es uno de los mejores intercambios de frases de la historia del cine: "¿Has dejado algo para nosotros, John?" "¡Cadáveres!" Es que poco más se puede decir de esta película, es Chuache matando a gente liderada por un Freddy Mercury de Hacendado con gente diciendo chulerías, y que termina en la sala de calderas de una mansión que parece el interior de un submarino nuclear porque presupuesto.

La gente se lo pasó bien, hubo mucha diversión, alguna gente se desvirtualizó después de algún tiempo interaccionando sólo por Discord o Twitch y todo quedó listo para el siguiente sarao en el que muchos nos volveremos a encontrar:

Peli: Matrix Resurrections. Entre el autohomenaje y la parodia

 

Pues sí, voy a hablar de esta cuarta entrega de Matrix, pero más que nada como excusa para hablar de las anteriores, algo que nunca había hecho en el bló porque no se había presentado la ocasión y porque, la verdad... me da perezote, no lo oculto. A mí me pilló ya muy mayor, con la carrera terminada y con mucha ciencia ficción de todo tipo vista y leída entre las orejas, así que nada de lo que allí vi me pilló de nuevas. Eso no impide que reconozca su impacto cultural, y que sepa que algunos de los términos usados en la película llevan camino de aposentase de forma definitiva en el lenguaje cotidiano de varias lenguas vivas: "vivimos en Matrix" para dar a entender que el mundo es una ficción o fantasmagoría de la mente, "esto es un fallo de Matrix" para los déjà vu y otros fallos de la percepción, "tomar la pastilla roja" por abrir los ojos a la auténtica verdad del mundo, o incluso que salir de Matrix se entienda como una alegoría similar a la de la caverna de Platón o que se te caiga la venda de los ojos y entiendas una verdad que hasta ese momento no eras capaz de aceptar.

Mucho se ha hablado también de la "filosofía de Matrix", y ahí es donde pinchamos un poco en hueso. Se comenta que las directoras daban a leer a todo el mundo Cultura y simulacro, de Baudrillard, editado en 1981, y además Neo tiene un ejemplar también sobre su mesa, algo que me importa tan poco como que en un capítulo de Supergirl aparezca sobre la mesa de café un libro para que podamos leer su título, White Fragility. Cuenta la leyenda que el que podía haber sido el protagonista de la película, Will Smith, sencillamente no entendió de lo que le hablaban las dos directoras, y eso tampoco es de extrañar: igual que un actor no tiene por qué entender exactamente lo que pinta en una película, sólo debe saber decir bien sus frases y hacer lo que mandan, tampoco es imprescindible que un guion sea del todo coherente o tenga sentido para que la película funcione. Si repasamos la filmografía de las Wachowski tampoco es que vayamos a ver una consistencia de altos vuelos intelectuales que digamos, ni falta que les hace. Por ejemplo a mí me gusta Speed Racer porque sigue siendo Matrix, fuegos artificiales y montañas rusas, y cero tonterías conceptuales. Cuando se ponen a pensar es cuando la cagan, a no ser que acierten por casualidad como les ocurrió con Matrix.

A veces se dice que Matrix supone la irrupción en la cultura de masas (no, yo no utilizo el término "cultura popular" para esto) de la filosofía posmoderna, y eso también es discutible. De hecho ni siquiera entiendo por qué las Wachowski andaban por ahí con ese libro de Baudrillard, ya que su concepto de hiperrealidad u otras reflexiones parecidas a las de La sociedad del espectáculo de Debord no tienen que ver nada con el meollo de lo que es el argumento de Matrix: vivir en un plano de realidad ficticio y simulado, algo que en realidad sería competencia de la filosofía de la mente y de experimentos mentales como el del cerebro en la cubeta, que a su vez es la reformulación de las mismas dudas que tenía Descartes sobre el asunto, y que también nos llevan al eterno debate del idealismo / realismo-materialismo. En realidad el universo de Matrix desdeña por completo el concepto de hiperrealidad en tanto que nos muestra lo que se supone que es una realidad objetiva, un futuro cochambroso en el que las máquinas vencieron en la guerra a los seres humanos, y un mundo simulado que es finales del siglo XX, pero tan prosaico como el que conocemos, y sólo al final cuando Neo entiende (eso sí, muy parcialmente y con truco), que vive en un mundo completamente virtual no atado a ninguna ley fija, es cuando parece que va a haber verdadero despiporre... pero eso luego no lo vemos apenas en las dos entregas posteriores porque entonces se tendría que cambiar por completo el tono de la película.

Obviamente todos sabemos ya de sobras que en cuanto a la historia de ciencia ficción que se nos cuenta en Matrix, ya estaba todo inventado. Se suele citar a Dark City, y por supuesto tenemos Virtuosity (1995), la misma Tron en la que ya había programas y mentes humanas digitalizadas que interactuaban como si fuesen videojuegos, Nirvana (1997), eXistenZ (1999) y por supuesto Desafío Total (1990) todas ellas donde se juega con la dualidad realidad/irrrealidad e identidad/recuerdos. De hecho si queréis droja muy, muy dura, y no le tenéis miedo a una peli de tres horazas de Fassbinder podéis ver El mundo conectado (Welt am Draht, 1973), basada en la novela Simulacron-3 de Daniel F. Galouye. Por supuesto también es anterior el concepto de holocubierta de Star Trek, y en varios capítulos se vio que había gente viviendo en simulaciones, o se especula con la idea de que las mismas creaciones de la holocubierta tomen conciencia de su naturaleza de simulación. Incluso Richard Corben, en una historieta de ocho páginas, Cuidado con el mundo real, Howie, ya nos contaba una historia por la que por medio de la toma de fármacos en forma de pastilla los habitantes de un mundo devastado creían vivir en un paraíso. Por supuesto ya, para tirar la bomba y matarnos a todos, recordemos que Philip K Dick, aparte de otros juegos de simulación como los mundos de Perky Pat, escribió Sivainvi, donde se aborda de forma definitiva la monomanía del autor sobre la esencia de la realidad.  En definitiva Matrix viene a ser un poco la idea de Terminator, perder contra unas máquinas que se rebelan contra sus creadores, mezclado con esos otros conceptos que como ya vemos estaban presentes en el género de ciencia ficción, sobre todo el cyberpunk, desde hacía bastante tiempo. En algunos aspectos, de hecho, Matrix las expone de forma mucho más limitada y con mucha menos profundidad. Para hacernos una idea y compararlo con algo reciente, quizá a alguna gente lo de distintas versiones de un mismo personaje, todas ellas igual de válidas, les parecerá algo genial que ha inventado la última peli de Spider-man, pero a poco que conozcas el mundillo de donde sale todo esto sabes que eso tiene más años que el hilo negro. Y si os parece muy original lo de las mismas máquinas se monten a un elegido para luego darle matarile y así encauzar la inevitable rebeldía humana una vez tras otra de forma recurrente de eso mismo trata el relato Laberinto de Xosé Luis Méndez Ferrín.

Y eso no le quita mérito ni en lo más mínimo a Matrix, sino al contrario. Porque recordemos el mensaje de la canción: "Lo importante no es llegar primero, sino saber llegar". Nos puede gustar más o menos, pero no siempre los pioneros se llevan el mérito de algo, e igualmente las Oreos y las M&M's no son los productos originales, sino las copias que triunfaron. Efectivamente Matrix tiene una relevancia cultural mucho mayor que los referentes a los que copia y a los que aporta más bien poco en el aspecto digamos que doctrinal, pero consiguió que estos elementos pasasen al imaginario popular de forma relevante hasta el punto de que más o menos todo el mundo entiende las referencias de las frases que antes cité. Y eso lo consiguió no por lo arriesgado o bien planteado de esas ideas, que ya vemos que estaban presente en películas fantásticas de la época hasta el punto que podríamos decir que eran incluso más que comunes y conocidas en el género, sino porque Matrix se convierte en una orgía audiovisual que envuelve esas ideas con hallazgos propios, una estética tan facilona como efectiva (tos maqueaos de cuero negro y con gafas de sol hasta dentro de una cueva), musiquita a toda máquina perfectamente elegida dentro de la de la época y efectos especiales desarrollados específicamente para apoyar la historia. Lo que se resume en algo que ya estaréis más que cansados de oírme decir en este blog: todo se resuelve a hostias. Es decir: Matrix es sin lugar a dudas una piedra angular, un epítome de los pocos que se dan cada década de

Efectivamente: Matrix en casi todos los niveles se sale de la escala del molonómetro. Eso es así, compadre. Porque lo que no se arregla a hostias, se arregla a tiros, así de simple. El entramado que sostiene a todo en realidad es mucho menos profundo de lo que a muchos les gustaría creer, pero la cuestión es que sostiene a una orgía de violencia desatada con gente haciendo el cafre de maneras nunca antes vistas, y que tienen una justificación, aunque un poco cogida por los pelos: el tiempo bala, el aprendo kungfú por usb, etc. Por supuesto, eso no debemos olvidarlo, y pese a estar en medio de semejante aparato de pirotecnia, los personajes tienen cierta enjundia: Neo te lo crees, Morfeo tiene su encanto, Trinity además de "la chica del pause" encarna la fe en la victoria y por supuesto el Agente Smith es la caña absoluta, interpretado por un Hugo Weaving en estado de gracia. De hecho, os lo voy a decir ya, a mí el único personaje que realmente me interesa e importa es el Agente Smith, y por supuesto me parece una injusticia que no ganase al final. En este blog siempre estaremos del lado de los perdedores y desposeídos injustamente por la H/historia.

¿De verdad llegasteis a pensar que no iba a poner este gif? ¿Tan mal me conocéis?

Todo lo demás es filfa, así de claro. Lo del Elegido es una chorrada y funciona medio regular, primero porque es una historia de "el elegido" y desde hace tiempo sabemos que cualquier historia que utilice en serio ese concepto, o el de "destino", nos va a hacer el trile y nos engañará cuando menos nos lo esperemos, o saldrán con un deus ex machina para solucionarlo todo. Por supuesto nos querrán hacer el mismo truco varias veces, y de ahí esa escena en la que Neo parece tener fuera de Matrix los mismos poderes que dentro... y ahí quedó la cosa, nunca más se supo. Cuando ya aparece el Oráculo o el Arquitecto, y nos quieren vender una historia más compleja, recursiva y, se supone, coherente, vemos que coherencia no hay ninguna. Porque Matrix se hace trampas al solitario desde el minuto uno, y eso tampoco es malo, siempre que no lo olvidemos y que las trampas están al servicio de contarnos un relato épico de acción desenfrenada, pero dentro de unos cauces muy determinados. De ahí que nos tengamos que creer que los daños corporales en el entorno simulado tengan consecuencias reales y puedas morir, porque lo contrario, el daño cero o las vidas infinitas, no tendrían ningún sentido narrativo, pero por alguna extraña razón se empeñan en darse puñetazos y dispararse balas convencionales, no píldoras de antimateria o misiles, y los agentes al ser programas y no tener realmente cuerpo estarían exentos de todo daño, Matrix se puede reprogramar como le dé la gana a sí misma. Eso sin contar que las máquinas, dado el uso que tienen de los humanos, no construyan la Matrix más lógica de todas en la que los seres humanos nunca tendrán opción de escapar, una en la que se simule el Paleolítico. ¿Por qué creas una simulación de mentes humanas que están capacitadas para entender lo que es Matrix, para empezar?

Por supuesto estoy hablando un poco en general de la primera trilogía, pero no me olvido que la primera película termina con cierta coherencia, que es cuando Neo obtiene, por así decirlo, los poderes plenos para controlar Matrix, que es algo con lo que sí se juega de forma más o menos lógica en la primera película: si vivo en un mundo simulado, en el que en realidad todo son píxeles ultrarrealistas, no hay ningún límite más allá de la imaginación, y se adquiere una especie de poder performativo: todo lo que piense se hará realidad. No sólo puedo pegar patadas molonas desafiando a la ley de la gravedad, sino que puedo volar, teletransportarme, traspasar las paredes, detener las balas en el aire o lo que yo quiera; no es ya que la cuchara no exista realmente, es que nada existe, para empezar la ley de la gravedad o la limitación de la velocidad de la luz. El señor Anderson, Neo, recordemos, es un programador, un hacker, y una vez ha obtenido acceso al código fuente de la realidad, o de ese plano de realidad que es Matrix, digamos que puede reprogramar todo lo que sucede a su alrededor en tiempo real y en código-matrix porque su cerebro está conectado a la red, y por eso al final de la película, igual que a Buda que el mismo Keanu Reeves interpretó unos años antes, se le retira de los ojos el velo de Maya, y por fin ve la realidad tal cual es, en código-matrix. Adquiere, por tanto, poder absoluto, puede hace cheats no en un juego bajado de Steam, sino sobre la esencia misma de un plano de realidad. Sin embargo, veremos, esas consecuencias no se explotan en toda su profundidad en las entregas posteriores, porque obviamente eso crearía tal pitote argumental que de ahí no habría continuación posible.

Por supuesto, y en el sentido de la revolución que supuso en algunos aspectos Matrix para el cine más palomiterio, comercial y de alto presupuesto, su sombra es más que alargada, y como todos sabemos algunos de sus hallazgos visuales se han incorporado como un estándar de las películas de acción, lo que quizá puede hacer que nos olvidemos ahora de lo rompedores que fueron en su tiempo, por mucho que ahora casi vengan de oficio en los programas de hacer efectos especiales, igual que dentro de unos años haremos como si nada los deepfakes que ahora son bastante complicados de conseguir. Esta estética y recursos incluso permearon en películas de temática tan distinta como Cidade de Deus, y por supuesto se convirtieron en el referente de muchas otras del cine de acción. Por eso a mí me encanta Ultravioleta, una película con un argumento delirante y absurdo que sólo es una excusa para ver a una supermodelo haciendo cabriolas rodeada de cgi que parecen salidos de una PlayStation, porque básicamente se va pasando pantallas de videojuego. Nicolas Cage o The Rock son un género cinematográfico propio, como Milla Jovovich.

Lo cual nos lleva a hablar de otro melón: al final de la primera película, cuando todavía nadie sabía si eso sería un éxito o un fracaso, se da una solución claramente imperfecta al conflicto contra las máquinas. Se supone que los humanos pasan, de alguna manera, a controlarla, o eso se nos da a entender, pero el mundo real y objetivo es una mierda postapocalíptica en el que ni siquiera luce el sol, probablemente por culpa de los mismos seres humanos. ¿La idea es despertar a toda la humanidad? Vemos que incluso sería complicado, porque la misma existencia de Matrix depende de que la gente esté conectada tanto como para producir electricidad como para, se supone, crear una red neuronal que soporte a la misma matriz. En la secuela actual veremos que hay cierto entendimiento entre los seres humanos y parte de las inteligencias artificiales, y que el grueso de la población humana sigue en el limbo de la simulación. El problema moral de esta continuidad, o la que se planteaba al final de la primera película tampoco es que se explore mucho, y la verdad es que tiene mala solución. Lo que nos lleva a pensar que Matrix, como alegoría que viene a competir o a substituir a la de la caverna, plantea el mismo problema del que ya se dio cuenta Platón: ¿y si la gente no sólo no te agradece que la liberes del mundo de la simulación y las sombras proyectadas, sino que incluso puede que te maldiga por ello? Lo que nos lleva a hacer la siguiente declaración:

Huy, perdón, universo equivocado. La pregunta es: ¿tenía Cifra razón?

Cifra es el Judas de esta historia, porque por supuesto, si tenemos un mesías elegido que nos va a salvar a todos, necesitamos también un traidor. No, meter a calzador referencias religiosas más o menos evidentes o que la máquina superjefa que sale en la tercera parte se llame Deus ex Machina tampoco garantiza que tu narración sea más profunda o tenga más sentido, sólo significa que tiene referencias religiosas metidas a calzador; sí, Zack Snyder, te estoy mirando a ti también. Pero a lo que vamos: ¿y si Cifra tenía razón, o al menos entendía, como él muy bien dijo, que por qué coño no eligió la pastilla azul con lo tranquilito que estaba él siendo el kioskero de la esquina o algo así? No hace falta que yo responda, porque me estoy guardando un buen cartucho final: en 1995, cuando las Wachowski todavía estaban moliendo la harina, alguna gente que recibió posteriormente el nombre de "aceleracionistas", se estaban comiendo ya el pan y respondiendo a esa pregunta. Semejante batiburrillo de ideas y autores que actualizan el ideario de los futuristas es difícil explicarlo incluso someramente y ni de lejos soy un especialista en la materia, pero para salir del paso digamos que es una mezcla de algunas ideas posmodernas con, he ahí lo original, otras sacadas literalmente de la ciencia ficción y la fantasía, en especial Lovecraft, Leiber u otros, escriben de forma bastante críptica o incluso en poemarios, los hay muy izquierdosos o muy fachosos y suelen exponer especulaciones de alto nivel en las que como poco se habla del tranhumanismo y la llegada de la Singularidad. Son también cercanos, a su manera, a la weird fiction de autores como Ligotti y su Conspiración contra la especie humana, y a muchos pensadores tecnofílicos del credo del californismo y de la tecnocracia. Los aceleracionistas son algunos de los que hablan de lo de subir cerebros a la nube de datos y de hecho para algunos su solución para lo del cambio climático sería dejar hacer a los científicos lo que les dé la gana y a las empresas contaminar a gogó, de modo que se acelerase el progreso científico que nos permitiría revertir no ya el cambio climático, sino alcanzar alguna supertecnología que nos permitiría controlar por completo el clima. Hasta cierto punto es asimilar como cierto aquello que ellos mismos predican, el concepto de hiperstición, la ficción que se convierte en realidad, y por supuesto como todos sabemos en series y películas de acción lo épico siempre es conseguir salvarse por los pelos y en el último momento arriesgándolo todo a una carta. Son absolutamente adorables. A veces dan mucho miedito, pero son divertidísimos.

Este ejemplo de los aceleracionistas es un poco extremo, pero no nos debe hacer olvidar que Matrix ha permitido que alguna gente, aunque más como una opinión porque de ahí no pasa, declare tener cierta creencia o certeza de que en realidad sí que vivimos en algún tipo de simulación de carácter informático, y ahí tenemos a gente como Elon Musk o Neil deGrasse Tyson que un modo u otro apoyan esa hipótesis, en el segundo caso algo bastante cachondo porque ese señor aunque muy simpático es de los que dicen que lo de la filosofía que vale para el pasado pero que los científicos ya tienen todo eso superado... sólo para meterse él en eso que es un debate puramente metafísico. Bueno, la verdad es que uno puede pensar sobre ello lo que quiera, pero es una idea a la que le ocurre un poco como a lo de que si todos somos no más que parte del pensamiento de Dios: un poco difícil de demostrar, de hecho imposible. Pero tampoco es eso a lo que quiero ir, sino a la cuestión inicial, que seguro que os sonará, y es que sin duda habréis oído a alguien decir básicamente lo mismo que a Cifra: "¿Y qué tendría de malo vivir en Matrix?" En el guion para hacerlo más bonito dicen la tontería de que "no quiero acordarme de nada", lo que generaría otro problema de identidad porque básicamente sería matar a tu yo original para crear a un yo feliz que ya no serías tú mismo, pues al fin y al cabo el "yo" empieza por la identidad y el recuerdo que ese yo tiene de sí mismo, pero atendamos a toda esa gente que dice estar más que dispuesta a vivir de manera muy consciente en un simulacro o entorno virtual en el que jugar a ser dios o a una infinita partida de videojuego en la que como Neo seas dueño y señor de todas las leyes que gobiernen ese mundo de ilusión y fantasía, la versión digamos más chachipiruli e infantiloide, mientras que probablemente un aceleracionista sueñe con convertirse en una conciencia sin cuerpo físico que viva en un espacio ℜ⁵ y sólo hable con versos alejandrinos compuestos en sánscrito.

Porque, y aquí se explica mi extrañeza de las Wachowsi al poner incluso ese libro ya citado en pantalla, ¿qué tendrá que ver el tocino con la velocidad? La hiperrealidad, la realidad como simulacro cultural,  dudar si estoy viendo en realidad las cuevas de Lascaux si veo una reproducción casi tan perfecta que no puedo distinguirla de la auténtica, es en realidad una cuestión muy distinta a que vivamos en una simulación que afecte a la realidad misma. Son dos planos totalmente distintos: incluso dos personas viviendo en Matrix podría una ser un flipao que cree que por darle mucho a los videojuegos ha conquistado reinos y matado a gente, y otra ser un aburrido contable que pesca en el río para divertirse, y estarían en el mismo plano de realidad. La hiperrealidad operaría, por así decirlo, en horizontal, y la cuestión metafísica de si todos somos programas de ordenador en una simulación es eso, una cuestión metafísica y completamente vertical. Noslomismo. Y es a lo que voy: alguna gente, apoyándose en la creencia de esa virtualidad del mundo, o incluso sin ese apoyo, dice estar más que dispuesta a sacrificar, por lo menos en teoría, su desaborida vida real y anodina por las infinitas posibilidades de una vida virtual, ya sea estar metido en una cama enchufado a alguna forma de Matrix o, ya puestos, uplodeando el cerebro entero y la mente (si es que realmente tal cosa existe, que tampoco está del todo claro) a ese entorno virtual, y de forma muy órfica liberarse de las limitaciones de la materia, o por lo menos de las más engorrosas. Dicho de otra manera: si nuestra vida ya en cierta manera es un simulacro, un puro bombardeo de sensaciones que nos provee nuestro entorno y no hay nada realmente sustantivo y real, ¿por qué no crear un entorno, una realidad completamente artificial y hedonista, si es que ni siquiera nos vamos a dar cuenta de la diferencia? La misma película, Matrix, intenta dar una explicación a esto al decir que la primera versión de la simulación intentó crear una forma de utopía pero que la gente notaba que algo no estaba bien y aquello de ser todos felices a la vez no funcionaba, pero nuevamente es una buena frase en el guion y funciona muy bien para ahondar en el desagrado que el Agente Smith siente por la humanidad, pero tampoco se sostiene demasiado y se basa en dar por seguro que sólo el tiempo en el que se filma la película es el mejor de los tiempos posibles para simular en Matrix: puedes crear, como ya dije, una simulación en la que vivamos en el Paleolítico, analfabetos y haciendo deporte mientras ocupamos la mayor parte del día cazando antílopes, y ya verás como la gente no se preocupa de mucho más que comer carne a la parrilla, hacer sano deporte al aire libre y jincar. Esto se veía en una película del mismo año de Matrix, otra adaptación de Simulacron-3, Nivel 13 (1999), en la que se producía una simulación dentro de la simulación, porque desde el futuro (curiosamente el que ahora es nuestro presente), se recreaba un pasado (el que entonces era el presente), donde ya existía tecnología para hacer simulaciones. Y si no, la otra opción sería crear un entorno Matrix para cada individuo, y problema resuelto.

En cierto modo lo que expresan los que dicen que esto en lo que ya vivimos es una ilusión, y que estarían dispuestos a cambiarla por otra igual de real o falsa que la anterior, y vivir una partida de rol en vivo en lo que les quede de vida, no hacen sino hacerse una de las preguntas centrales de la experiencia humana: ¿por qué le pasan cosas malas a la gente buena?, ¿por qué hay niños que mueren de cáncer?,  ¿por qué Michael Bay sigue haciendo películas?, ¿por qué hay que trabajar todos los días para poder ingerir x calorías que permitan que nuestro cuerpo viva un día más? Si todo es una ilusión, ¿por qué la ilusión es tan cutre, y por qué no todos podemos ser felices en ella? Bueno, eso ya lo explicó Epicteto, un filósofo estoico, hace más de dos mil años, y luego nada menos que Quevedo glosó su pensamiento en una poesía: a cada uno se le asigna al nacer un papel que representar en la vida, y no te queda otra que representarlo con dignidad, un motivo este, el de theatrum mundi, bastante habitual en la literatura y que en el fondo no viene sino a ser lo mismo que Matrix, sólo que Epicteto como era un estoico sólo decía "Esto es lo que hay, así que ajo y agua". En cierto modo, siempre apelaremos a la imposibilidad de encontrar el sentido último y transcendente a todo lo que ocurre, el porqué que dé explicación a la existencia: el ciego hado, los planes inescrutables de Dios o que somos los elaboradísimos SIMS de una raza extraterrestre de otro plano de realidad, y que nos hacen sufrir mil penurias y enfrentarnos en guerras para que ellos sí puedan decir que han vivido.

De todos modos, respecto a la cuestión metafísica de la realidad, y pensar que por muy anodina y triste que sea nuestra vida en realidad somos código que corre en tiempo real en un SIstema de VAsta INteligencia VIva, no deja de ser eso, una discusión metafísica, y por tanto muy divertida pero que nos llevará mil y una veces a los mismos contrasentidos y a no poder demostrar lo que decimos. La hiperrealidad y la hiperstición de los aceleracionistas sin embargo sí que es algo real y que podemos comprobar que existe en nuestro mundo. No es que no hayan existido desde siempre: como seres que nos comunicamos por símbolos y sistemas de creencias eso siempre ha sido así, y si no imaginaos lo que era creer que existía un rey hasta no hace demasiado tiempo, cuando incluso viviendo en la capital como mucho quizá lo vieses de lejos, y si vivías en provincias sólo era alguien de quien oías hablar, y en el caso de América ninguno de nuestros reyes que lo fue efectivamente de esas posesiones llegó a poner un pie allí, y eso por no entrar en otras construcciones mentales como los conceptos de patria, o las creencias religiosas. Sin embargo, y en eso es difícil no estar en parte de acuerdo con Baudrillard, Eco o Debord, aunque vivir creyendo en ilusiones y representaciones puede que no sea algo nuevo quizá se nos está saliendo de madre, y quizá simplemente todos esos casos que tanto nos llaman la atención ya existían, sólo que ahora se publicitan y se estudian más; ahí tenemos las estrellas de rock virtuales de Japón, los otherkind, el fenómeno de las waifus y husbandos, los incels que se casan con una almohada y lo que nos espera cuando lo que aparece en películas como Her pueda ser una realidad, o sea factible que un holograma de Ana de Armas se convierta en la novia de alguien sólo con pagar una cuota. Sí, hay gente que dice que si se pudiera poner en lista de espera para algo así, que sin dudar lo haría. En 1996 en una serie B como Terminal Justice ya un personaje le decía a Lorenzo Lamas: "¿Cómo? ¿Follar de verdad? Quita, quita, el sexo en realidad virtual siempre sale bien, para qué meterse en líos". Por así decirlo la realidad a ese respecto hace mucho tiempo que ha adelantado por la derecha a cosas que la ficción proponía como distopías, y la respuesta a ellas no ha sido el horror, sino "¡Cállese y tome mi dinero!" Mucha gente se encoge de hombros y afirma: "Decís alienación en un tono de voz... que cualquiera pensaría que es algo malo". Si os parecen raras las discusiones en las que la gente dice que sus canhijos son parte de la familia, esperad a lo que se nos viene encima.

Ah, ¿que queréis saber si el Siglo de Oro tiene su propia versión de Matrix? Hombre, por favor... qué pregunta.

Bueno, y hasta aquí más o menos lo que había que contar de la primera hornada de películas de Matrix. En conclusión:

-La primera película está bien, las otras menos pero tampoco son tan malas con algunos dicen.

-En realidad filosofía tienen poca, no demasiado buena y la poca que tiene ni la termina de entender ni de aplicarla en toda su extensión.

-El punto anterior no tiene nada que ver con el impacto cultural de esa película en el moderno imaginario colectivo. En el país de los ciegos el tuerto es rey, y el que no conoce a Dios a cualquier santo el reza.

-El éxito de la película se basa, aparte de en la pátina un poco pretenciosa de reflexión sobre la esencia misma de la realidad, y que ya casi se ha disuelto con el paso del tiempo, en ser una combinación nunca antes vista de película de acción desenfrenada, orgía de violencia y combinación de elementos estéticos, música y ambientación. Que eso tiene también mucho mérito, pero como hemos visto toda la supuesta profundidad de la película está mejor expuesta en obras incluso bastante anteriores. Sencillamente no se habían presentado envueltas en forma de taquillazo que acaba con una canción de Rage Against de Machine a todo volumen.

Y entonces llega esta cuarta película porque, como ya hemos dicho en más de una ocasión en este blog: "Pedimos una nueva secuela, y por nuestros pecados nos fue concedida". ¿Era necesaria? Pues como siempre: quizá no sea la pregunta adecuada. ¿Era necesaria esta última secuela de Los Cazafantasmas? Pues necesaria no, pero está potita y es muy ochentera en el mejor sentido, y no le hace daño a nadie. Respecto a Matrix Resurrections, pues podríamos decir que, objetivamente, tiene muchas cosas malas y son bastantes más que las buenas: Keanu Reeves no se sabe si está haciendo un cosplay de John Wick, Carrie Ann Moss me da igual que me da lo mismo, el nuevo Morfeo es tan interesante como hacerse una endodoncia y el nuevo Agente Smith no pega ni con cola y no está a la altura. A ese nivel es una continuación tan extemporánea, innecesaria y un pegote como la que han hecho con El principe de Zamunda o las nueva película de Bill y Ted, ejemplos de algo que quizá habría tenido sentido hace diez, o mejor hace quince años, y sólo si se hubiese hecho con interés y ganas, no sólo por alargar el chicle innecesariamente, y que parece que existen ahora en la era de las plataformas de streaming sólo porque ya se le da la luz verde a casi cualquier cosa. Y este es el caso de esta nueva de Matrix... pero no del todo, porque yo soy de los que en parte la salva de la quema por el espíritu de "para lo que me queda en el convento me cago dentro" o sencillamente "os voy a decir un par de cositas y qué a gusto me voy a quedar", hasta el punto de que parece hecha un poco por el trasunto de Stanley Kubrick que interpretaba Christopher Walken en La pareja del año.

Era imposible que muchos no llegásemos a la misma conclusión: en la película hay bastante choteo con la misma existencia de la propia película y con la inevitabilidad de que, hubiese razón para hacerla o no, llegase a las pantallas. De ahí que todos sospechemos también cuál es la verdadera razón de que sólo la firme una de las hermanas, y que nos olamos que hay bastante de que "si alguien tiene que hacer esta puta mierda, mejor que sea yo y al menos nos echamos unas risas". Por eso lo que la película tiene de parte "meta", de racconto o reescritura o reinterpretación de la obra anterior es lo más interesante. Vuelve a existir Neo, está en una nueva Matrix, y según su biografía es un exitoso programador de videojuegos famoso por la trilogía que lleva ese nombre, y que es lo que nosotros conocemos como películas. Todo lo que había, por así decirlo, de críptico en la versión anterior, si se me permite en este caso es "código abierto" que aparece en la misma pantalla ante nosotros: "Vamos a hacer una nueva entrega porque Warner Brothers nos obliga", "Ya somos muy viehos y nuestro tiempo de gloria pasó, ahora todo el mundo conoce esto y no nos pueden pedir a estas alturas que nos inventemos un nuevo tiempo-bala que deje a todo el mundo flipando", y sobre todo la cara de hastío de Keanu Reeves mientras a su alrededor su equipo se pone a pontificar y discutir sobre las profundas interpretaciones de la trilogía original, lo que nos viene a decir "Si has pagado la entrada piensa lo que quieras, es un país libre. A mí me da igual".

Todo hay que decirlo: en esta nueva entrega hay que reconocerle que se adentra, aunque no del todo, dentro de un melón que las otras no habían abierto, y es el de la metaficción, algo muy querido por las formas narrativas posmodernas: "el personaje contra el autor", algo no tan nuevo porque nos lo encontramos incluso en Niebla de Unamuno pero sí es algo que tiene cierto predicamento y que bien llevado queda bastante bien, como se ve en Más extraño que la ficción. En este caso tenemos la variedad "el personaje y el autor contra los intereses corporativos de la industria del entretenimiento y la capacidad infinita del público para tragar lo que le echen como cerdo en la cochiquera". Hay un momento incluso en el que la película, y eso no lo he oído comentar demasiado... se destripa a sí misma el argumento; sí, sí, la película se hace spoiler a sí misma por medio de visiones de escenas que todavía no han ocurrido, como el del bombardeo de personas-bots, un momento al límite de la comedia involuntaria. Sólo faltaba que Trinity hubiese dicho "Es que me he leído el guion entero y ya sé lo que va a pasar". No, en serio, es que no sé verlo de otra manera, podéis llamarlo que tiene visiones del futuro, pero para mí es que la película literalmente en medio del metraje te hace un trailer de la última escena épica.

A este respecto el mismo conjunto de premisas iniciales da sin problemas una excusa excelente para reiniciar la saga, pero como siempre a costa de cargarte todo lo que habías contado antes, igual que hace la segunda entrega con la primera trilogía. Por razones varias, a no ser que... patatas, a las máquinas no se les ocurre mejor cosa que reconstruir a Neo y Trinity, porque aquí, nuevamente, tenemos que hablar de algo recurrente en este blog, la teoría de la píldora. No, no la píldora azul ni la roja, sino esa píldora que os dan que si está cubierta de una capa de azúcar bien gustosos tomaremos, como decía Mary Poppins. Porque en Matrix podríamos decir también aquello de "en esta historia de pasteleo romanticoide se les ha colado un poquito de ciencia ficción". Nuevamente porque patatas, igual que en la trilogía original pero todavía más, resulta que nos tenemos que tragar por enésima vez la existencia de un poder que tenemos que suponer que existe y todo lo controla, y que debe ser el destino, o a saber qué: no sólo hay un elegido que pese a ser un falso elegido controlado por los malos resulta luego que es el elegido de verdad, sino que además hay una fuerza universal que todo lo puede y que transciende toda explicación, el tropo más querido por cualquier escritor o guionista que se sienta perezoso porque da igual la de veces que lo pongas que siempre funciona: de pagua of lof, como en Interstellar, así que el profundo amor, el amor heterosexual entre Neo y Trinity, es más poderoso que la fusión fría, porque sí. Lo que a mí sí me permite aplicar una de las posibilidades del pensamiento posmoderno e interpretar lo que veo como me da la gana sin encomendarme a nadie, así que para mí esta cuarta película es un claro ejemplo de alegoría del mundillo informático, y nunca mejor traído que con Matrix: el nuevo Arquitecto, el Analista interpretado por Neal Patrick Harris en su registro de interpretarse a sí mismo de cachondeo, tiene la gran idea de "Vamos a hacer, sin ninguna necesidad y para nada, el mismo proyecto que hace veinte años salió como el orto y casi nos manda a todos al carajo, y lo vamos a hacer con el mismo personal y siguiendo la misma metodología. ¿Qué puede salir mal?" No sé, José Luis, ¿a ti qué te parece?

"No, no, la fecha de entrega no se puede tocar.
Iremos con lo que ya esté acabado, probaremos en Real y que pase lo que tenga que pasar."
Y claro: pasa.

La verdad es que la película tiene momentos muy cachondos e incluso memorables, pero a costa de ser un autohomenaje que en muchos casos es indistinguible de la parodia, y que sin embargo resultan divertidos por cómo están ejecutados. El Merovingio cuando dice "antes nosotros molábamos" y "os pasáis todo el día con el móvil en las redes sociales, a ver si veis una buena película o leéis un libro" nos ha encantado a todos, eso es así. Justo en el momento en el que dice "¡La originalidad importaba!" mira a cámara, y por tanto al espectador, para decirle: "Aquí tienes la mierda que has pedido, buen provecho". Todo lo demás... pues eso, hostias en estilo Matrix pero a desgana, ni siquiera al nivel de lo que habíamos visto hace ya veinte años, y cuando ya hemos contemplado a una ciudad doblarse sobre sí misma en Origen y al Doctor Extraño haciendo mangas y capirotes con todo lo que lo rodea. Podríamos pedir que, ya que esto tenía que suceder, que intentase crear algo realmente nuevo o dar un verdadero giro de tuerca, o que intentase crear una película de arte y ensayo sin cabriolas, para recorrer el camino de la sesudez que en realidad sólo se llegó a amagar, pero me imagino que eso tampoco habría sido una posibilidad real. Como decía Homer "No queremos canciones nuevas, y pasad a tocar ya el estribillo", así que nos han dado algo de más de lo mismo, pero sin ganas y ya demasiado tarde.

No hago más que pensar en que la película, igual que las antecesoras estaban ambientadas en la época 1999-2003, está ambientada en la nuestra, por lo que veremos que existen móviles y por tanto... puntos de acceso móviles a Matrix, cuando en realidad se supone que estarán ya por el siglo XXII. Podrían haber optado incluso por volver a ambientarlo todo a finales de los años 90, pero hay que justificar que los actores estén más viejos, y otros detalles. Aun así por eso mismo me imagino a un padre joven que ve con su hijo adolescente o ya de veinte años la primera de Matrix y que este le comente que qué curiosa la peli antigua en la que todos para escapar de la simulación y volver a la realidad cochambrosa tengan que buscar una cabina telefónica, y que en la escena final con la que se comunica Neo para darle el ultimátum a las máquinas que lo haga igualmente desde una cabina, cuando a día de hoy prácticamente ya no existen y se está hablando de que llevan camino de desaparecer por completo.

Al final siempre tienen razón los estoicos: cada año que pasa te hace más viejo, y el último te mata.

-SuperSantiEgo