Serie: . El horror tiene rostro, y debes hacerte amigo de él

El encargado, el portero como se dice en España, aunque también es común usar ese término en los demás países. Hubo un tiempo en que era una figura casi imprescindible en las casas de pisos, casi siempre ocupaban un bajo y se encargaban del mantenimiento básico de la comunidad, así como de abrir y cerrar las puertas y controlar el tránsito de propios y ajenos del edificio, y abrir de noche en caso de emergencia, pues lo normal era cerrar las puertas al anochecer, lo que explicaba también la figura ya casi completamente desaparecida de los serenos. Por lo menos en el caso español tal como se atestigua en novelas y películas en esos bajos ocupados por matrimonios si él trabajaba fuera era la señora la que se ocupaba de las faenas de portería, y quizá por eso existe la expresión "ser una portera" aplicada a la persona que es en extremo cotilla y que le gusta saber de la vida de los demás, ya que era un vicio o gusto que se le presuponía a quien trabajaba en esa ocupación. Y según parece era un prejuicio con cierto fundamento y del que la policía sacaba provecho, ya que los porteros solían enterarse de todo y por tanto eran la primera opción para informar de cualquier cosa sospechosa, así como de hacer de confidentes de las fuerzas del orden y de los servicios secretos y de contraespionaje.

Poniendo un poco el carro antes que los bueyes, hablaremos primero de la polémica que en su país de origen, Argentina, ha levantado esta serie, ya que los porteros de fincas han mostrado su malestar ya que el turbio personaje principal "no los representa", y en estos tiempos en el que uno sabe que aunque diga "pues sí, pues sí", alguien responderá "pues no, ya me has ofendido" no se podía esperar algo diferente. Pues sí, como explicaremos a continuación el personaje en algunos momentos justifica la frase que he puesto de Apocalipse Now en el título pero es que esto no es ni siquiera nuevo. En cien años de cine y varios siglos de literatura ha habido personajes perversos que han pertenecido a todas las profesiones imaginables, aunque algunas dan más mal rollo que otras. En el caso de los encargados de edificio, dada la naturaleza de su profesión, dan pie a historias de terror psicológico de forma bastante inmediata, como veremos en los dos siguientes ejemplos, que de momento son los que se me ocurren pero seguro que hay muchos más.

Para hacer el chiste fácil, es que en 1993 Sharon Stone estaba como para acosarla muy fuerte, aunque todo tenga un ambiente de irrealidad, como ese salón a lo Ozymandias que se ha montado el psicópata para vigilar a todo el mundo, que eso parece sacado de V de Vendetta o de la NASA. Bueno, en realidad es acosador en esta película es el mismo dueño del edificio, pero estirando el concepto nos puede valer. En España, como somos más modestos de presupuesto y algo más apegados a la tierra tuvimos una versión parecida pero más cañí y con un Luis Tosar que da un mal rollo muy, muy espeso.

Por otro lado, la figura del portero también puede ser, por qué no, entrañable, como el personaje que dio fama a Fernando Tejero en Aquí no hay quien viva, serie que también tuvo un gran éxito en algunos países hispanoamericanos, y el trabajo de portero estrafalario luego volvería a aparecer interpretado por otros actores en su sucesora, La que se avecina. Ahí se podía ver ya que, excepto en casas de mucho postín, la figura del portero físico (término que se acuñó para diferenciarlo del portero automático) era difícil de mantener en las casas de vecinos de clase trabajadora o de clase media baja aspiracional, y menos en un régimen de legalidad laboral.

En un contexto parecido se desarrolla esta ficción argentina, cuya acción transcurre casi en exclusiva dentro de una edificio de pisos de lujo y en su acera o vereda, que escrupulosamente limpia Eliseo, el portero protagonista, cada día. Ha trabajado en esa misma ocupación durante treinta años, y los vecinos llegan a la conclusión de que su puesto de trabajo no sólo es un atraso sino que además deben aprovechar la terraza donde está la casita de Eliseo, lo que sin duda nos recordará a algunos a 13 Rúe del Percebe y el lugar donde vivía el trasunto del Gran Vázquez, y construir allí mismo una pileta o piscina que revalorice al edificio y permita tener a los inquilinos un lugar de ocio exclusivo. El argumento de la serie en sus once episodios es así de simple, y todo girará alrededor de los movimientos y pactos que realizará Eliseo para mantenerse en su puesto y hacer que el proyecto nunca se lleve a cabo. Curiosamente, de forma casi futurista, el confidente y casi confesor de Eliseo en el edificio de enfrente es un portero no ya automático, sino casi virtual, una pantalla desde la que ve y es visto un guardia de seguridad que a saber a cuántos kilómetros puede estar del lugar vigilado, personaje interpretado por otro conocido actor y presentador argentino.

Estamos ante una comedia negra protagonizada por un ser a ratos tierno y a ratos siniestro, capaz de cometer actos abominables y de mentir con la más absoluta desvergüenza pero a la vez de tener comportamientos nobles y generosos. Podemos decir sin equivocarnos lo más mínimo que el éxito de la serie y los muy buenos momentos que nos proporciona se deben a la enorme capacidad actoral de Guillermo Francella, y es completamente cierto, pero lo que él consigue es hacer suyo a un personaje maravillosamente bien escrito que es a ratos un psicópata de manual y a la vez una persona a la que comprendemos perfectamente, tratada con desprecio de clase y de la que se quieren deshacer sin remordimiento alguno. Porque quizá él en muchos momentos es un mierda, un sorete, un buscavidas que cobra comisiones y se aprovecha de su cargo, pero buena parte de los inquilinos de ese edificio de alto standing son verdadera escoria humana. Probablemente si habéis hablado sobre el tema con algún amigo de las repúblicas hermanas del otro lado del océano os hayan dicho que la clase alta u oligárquica es en sus países mucho más descarnada en su desprecio por la clase baja o trabajadora, y que en ocasiones lo expresan con una desfachatez que nos resulta un poco extraña, ya que por lo menos hasta tiempos recientes era algo que aquí causaba cierto pudor decir en voz alta. Si les recuerdas que no es una competición quizá te respondan como a mí que cierto, quizá no lo sea, pero si lo fuera seguro que ganarían ellos. De todos modos aquí están cambiando las cosas y tenemos a figuras como Salvador Sostres y otros, así que mejor no hablar antes de tiempo porque todavía es posible la remontada.

Calificar al personaje principal como psicópata es fácil, pero arriesgado como lo es siempre a la hora de hacer un análisis de un personaje de ficción. Está claro que tiene dos caras claramente diferenciadas, que es un mentiroso compulsivo y un manipulador nato siempre con su actitud servil y siempre dispuesto a hacerse el imprescindible, y muestra en muchos momentos una gran dureza emocional, pero quizá también sólo sea una persona increíblemente solitaria y amargada cuyas únicas satisfacciones y anclas con la realidad sean su trabajo y las breves interacciones sociales con los inquilinos, que dan sentido a su vida. No podemos creer nada de lo que diga, pues no llegamos a saber de verdad si está viudo o no, o si lo abandonó su mujer cuando se dio cuenta de que él estaba como una chota, e igualmente si fuese verdad que tiene ahorrada semejante cantidad de dinero y con su edad podría jubilarse tranquilamente, retirarse a una tranquila ciudad de provincias y vivir plácidamente el resto de su vida. Pero entonces se aburriría y no tendría sentido nada de lo que hace, él se ve a sí mismo como el capitán del barco y los inquilinos son su tripulación que no saben que en realidad están a sus órdenes. Él se ve a sí mismo como el rey del castillo, aunque sólo sea en su imaginación y su castillo sea una simple casa de vecinos, pero es lo único que tiene o que le queda. Si te portas bien con él será tu amigo y se desvivirá por complacerte, pero si de alguna manera te cruzas en su camino pobre de ti, porque probablemente conozca todos tus trapos sucios y además sabrá cómo hacerte todo el daño posible.

Por supuesto, la serie está hablada completamente en recio y viril idioma cervantino, variedad argentina y supongo que subvariedad rioplatense porque a tanto no llego. Como sabéis en este blog familiar siempre hemos sido partidarios del doblaje latino clásico de hace algunas décadas, y de las películas en español de otros países, y sólo nos mostramos contrarios al doblaje latinequis que es poco más que inglés mal traducido. Así que tranquilos, está en un español argentino asequible para cualquier otro hablante de español sin necesidad de saberse al dedillo todos los lunfardismos del mundo, ni siquiera los más elementales como morfar o escabiar, pero sin renunciar a la forma de hablar argentina y a sus peculiaridades: todo el mundo se trata de vos, los abogados son doctores y llaman alcauciles a las alcachofas, como en Conil. Supongo que esto es algo buscado por la misma Disney, y completamente en paralelo con lo que se puede hacer en España, que en muchos productos se evitan los modismos excesivamente localistas o el argot más incompresible incluso para los mismos españoles que no estén al día de las últimas innovaciones léxicas. Por supuesto sale un personaje español que habla con "hostia y joder", y no voy a decir nada por no chafar la sorpresa, pero siendo uno español nada más oírlo decir las primeras frases ya sabes que ahí pasa algo raro.

Lo que más me ha gustado de la serie, además de ser entretenidísima y muy bien realizada, y por supuesto la interpretación de su protagonista, es que los guiones consiguen dibujar una zona tremendamente gris alejada de cualquier maniqueísmo en la que, a pesar de que sabemos que estamos ante un tipo muy peligroso que de ninguna manera querríamos como encargado de nuestras viviendas, no podemos evitar estar de su parte, sin que por otro lado dejemos de entender al resto de los personajes que, aunque por las razones equivocadas, quieren sacarlo de sus vidas.

Al final triunfa el bien. Bueno, o el mal, depende de como uno lo mire. Y tiene un final que bueno, es un final.

-SuperSantiEgo

Cómic: ¡García!, de Santiago García y Luis Bustos, Roberto Alcázar y Pedrín y Un asunto privado

Como alguna vez he explicado, yo de niño en aquellos lejanos tiempos del mercado editorial español leía sin prejuicio alguno cualquier cosa que tuviese viñetas. No es que no tuviese criterio alguno y me diese igual una cosa que otra, algunas me gustaban más y otras menos, pero a mí me ponían papeles con dibujitos en ellos y yo tan feliz: las versiones europeas de los personajes Disney de Don Miki, comics de aventuras italianos que entonces no sabíamos que se llamaban fumetti, todo lo que nos llegaba de la línea clara francobelga, por supuesto los superhéroes sin tasa ni conocimiento, clásicos adultos de las tiras de prensa y, cómo no, todos los tebeos en clave infantil y humor de lo que se conocía como la escuela Bruguera, sin olvidar lo que ahora llamamos "tebeo clásico español", toda una serie de personajes que se publicaron a partir de la posguerra y que dieron lugar a colecciones que tuvieron un éxito enorme, ya que en aquellos tiempos cualquier niño que tuviese a su disposición un kiosco cercano y unos pocos céntimos leía sin excepción aquellos cuadernillos apaisados de pocas páginas e impresión cutrísima a blanco y negro, llenos de aventuras en un tiempo en el que la televisión todavía no era omnipresente. Esto explica que los títulos más exitosos vendían cientos de miles de ejemplares, sin exagerar, aunque por desgracia eso no hizo precisamente ricos a sus autores, contratados en condiciones que hacían parecer a algunos de los profesionales de DC y Marvel de la época como privilegiados. Los  títulos más famosos le suenan a casi todo el mundo: El Guerrero del Antifaz, El Capitán Trueno, El Jabato, y dentro de una ambientación contemporánea la más famosa y longeva de esas colecciones fue Roberto Alcázar y Pedrín, publicada de 1941 a 1976. Mi generación no conoció la publicación original de esos personajes, pero se seguían reeditando con bastante aceptación en versiones coloreadas y en muchos casos censuradas para rebajarles el nivel de violencia o para reinterpretar algún pasaje ambiguo que se había colado en tiempos, paradójicamente, que se consideraban más represivos.

Hace ya muchos años, antes de los blogs, en un fanzine me preguntaba yo si estos personajes tenían de algún modo alguna remisión en los tiempos que corren, y si se les podía dar una nueva vida. La respuesta que apuntaba ya entonces es que difícilmente. Aunque es fácil descalificarlos porque, no nos engañemos, salvo en contadas ocasiones eran realmente buenos, y no por ineptitud manifiesta de sus autores, sino por las imposiciones editoriales que obligaban a una simplicidad casi oligofrénica de los guiones, y unos plazos de entrega y unas tarifas que en algunas ocasiones forzaban a los dibujantes a entregar lo que eran poco más que bocetos, y a eso se le une que forzosamente reflejaban una sociedad, la franquista, a la que le gustaba presentar la realidad en tonos muy poco sutiles de blanco y negro, como eran los interiores de aquellos fasciculillos que se vendían en un papel de muy mala calidad y a un precio irrisorio. Sin embargo, pasado ya el tiempo y alejándonos de las décadas inmediatas en las que esos títulos dejaron de editarse, cuando fueron desdeñados sumariamente en bloque, puede decirse que obviamente nos pueden sonar rancios en algunas cosas, e insensibles para algunos de los temas que hoy día están en boca de todos, pero tampoco son un manual para ser fascistas, la violencia desproporcionada y gratuita es idéntica a la de productos similares de otros países y leídos con ironía y cachondeo pueden ser disfrutables si nos los tomamos como lo que son o lo que fueron, un puro producto de entretenimiento necesariamente cargado de la ideología de la época. Nada que no nos suene: el Universo Marvel comienza porque Reed Richards es un científico irresponsable que prefiere lanzar su nave al espacio sin haberla protegido correctamente de los rayos cósmicos, y de paso lía a su mejor amigo, a su propia novia y al hermano menor de edad de esta, por la sencilla razón de que si no logran a tiempo su hazaña quizá se les adelanten los rusos, y eso no se podía consentir.

El típico coloreado de la época. Gomitivo. Ponen a un rubio sobre fondo amarillo y tan tranquilos.

Esta etapa del cómic español, que algunos conocimos ya cuando estaba en declive o sencillamente estaba empezando a desaparecer, presenta varias características que provocaron su desaparición. Por un lado, como ya se dijo, una clara falta de calidad media, y la competencia de otros productos estadounidenses y europeos con los que tenía que compararse, además de otras alternativas de ocio y una televisión que empezaba a emitir durante todo el día. De todos modos también habría que recordar que igual que en los USA tuvieron a su doctor Wertham, su Comics Code y el hundimiento de EC Comics, en la España del tardofranquismo donde todo se suponía que debía estar atado y bien atado tuvimos nuestro equivalente, la Comisión de Información y Publicaciones Infantiles y Juveniles que en los últimos años de los 1960 recrudeció la censura en las publicaciones dedicadas al público joven hasta 1978, por lo que durante varios años no se publicaron superhéroes en España ("¡Ideologííííía!", como diría Hugo Chávez), y que para sorpresa de nadie estaba dirigida por un sacerdote dominico. Esta comisión y su injerencia en los asuntos de las editoriales condujeron en parte a que esa etapa del comic español involucionara y no fuese capaz de competir contra productos que nos llegaban sin tener que aguantar tanta tontería. En el caso de la Editorial Valenciana, la editora de Roberto Alcázar, se atribuyen sus desgracias y posterior desaparición a esa comisión y en particular a María Consuelo Reyna, una periodista todavía en activo que practicó con especial celo su labor censora.

La filosofía vital del título: "Todo vale pal convento".

Visto ahora este título, como ya he dicho, y tomándolo sin demasiados prejuicios, podemos decir con el mismo guionista del cómic del que vamos a hablar, y que a la vez lo parodia y homenajea, que a lo largo de sus muchas décadas de existencia fue básicamente un despiporre en el que los personajes, con su protagonista supuestamente un periodista o miembro de la Interpol, van cambiando de escenario geográfico de forma prodigiosa, de un continente a otro, pasando por todo tipo de tópicos de historias de aventuras desenfrenadas: tribus de reductores de cabezas, aventuras entre los indios de las películas como si todavía nos encontrásemos en el siglo XIX, villanos asiáticos a lo Fu-Manchú, mentes maestras con poderes mesmerizadores que amenazan con conquistar el mundo y que parecen sacados del pulp, revoluciones bananeras, aventuras de ciencia ficción con platillos volantes, castillos encantados con hombres lobo o frankensteins a tutiplén, y un montón de locuras más en las que por supuesto ni están ni se les espera ninguna corrección política, ninguna sensibilidad racial o cultural ni ninguna concesión a lo que no sea que la aventurilla, plagada de mamporros y tiros, acabe con la victoria de los personajes titulares, que no es muy difícil identificar con una versión hispana de Batman y Robin, aunque la fecha de creación de los personajes, demasiado cercana a la de Batman, seguramente impide que nos podamos creer que hubo algún tipo de inspiración, así que tendríamos que hablar en todo caso de evolución convergente, como los pingüinos de ambos polos. Y, del mismo modo que no se entiende del todo bien a Batman sin Robin, Roberto Alcázar, el típico héroe hierático que nunca se despeina o pierde los papeles ni cuando lo torturan o cuando una femme fatale intenta que sucumba a sus encantos, sólo puede ser soportable con uno de los personajes más sublimemente odiables, a la vez que disfrutables, que es Pedrín, un niño de unos once o doce años que es un Robin puesto de coca y speed hasta las trancas y al que Roberto Alcázar difícilmente puede controlar porque es, básicamente, un puto sádico que goza como nadie dejando inconscientes a los malhechores y secuaces de toda laya con su inefable cachiporra, que suele utilizar a traición y por la espalda, a la vez que suelta alguna de sus invectivas tipo "¡Chúpate esta!", o "¡A dormir, tío feo!", así como otras muestra de desprecio por las personas a las que está apalizando, cuando no les apunta con armas de fuego que nunca tiene el más mínimo problema en utilizar, e incluso de forma precoz se permite soltarle algún piropo a alguna periquita que, nos sospechamos, fuma. El puto niño rubio, mucho antes que Bart Simpson, fue la verdadera catarsis del mundo infantil ya que se suponía que era el personaje con el que un público de corta edad que compraba estos tebeos se debía identificar, pero en realidad era una fuerza de la naturaleza que podía desatar toda su agresividad y ganas de zurrar a los adultos sin ninguna consecuencia más que a él también le zurrasen de lo lindo de vez en cuando. No, Pedrín no era un personaje que encarnase la pureza y la inocencia; era un cabrón con pintas, una mala bestia salida de los pozos de infierno. Imaginaos lo que era eso en una España en la que todavía se le besaba el anillo a los curas, a los padres todavía se les llamaba de usted y a los niños se les decía básicamente que su único derecho era callar la boca y obedecer en todo momento a los mayores, que cuando fuesen padres ya comerían huevos.

La agresión a personas indefensas como una forma de arte. Conferencia en nuestro taller de iniciación al BDSM hoy a las 19:00 horas.

Ejecución sumaria a quemarropa. Teoría y práctica.

¡Come bocadillo de nudillos, pasmao!

Concédete un capricho. Mata a alguien.

Tal fue la importancia cultural y el seguimiento de esta colección que, aunque ya está en desuso, y quizá algunos no sepan de dónde viene, en el español peninsular todavía se puede oír la exclamación "¡Ostras, Pedrín!" para mostrar sorpresa ante un acontecimiento inesperado o que ha salido de forma poco propicia, e incluso se llegó a comentar en toda España cuando por fin el mismo Pedrín empezó a utilizar pantalones largos, así que ya se suponía que se había hecho algo mayor. Otra expresión castiza, seguramente ya en retroceso, y que proviene del mundo de las viñetas, es el proverbial "Te tengo más visto que el TBO", referido a la publicación que llevaba por nombre esas siglas y que pasó por metonimia a tebeo, la forma más clásica de referirse a la historieta en España, algo que ocurrió análogamente en Brasil donde a todos los tebeos se les conoce como gibis. Supongo que lo de "más visto que" se refería a la costumbre que todos recordamos de haber leído mil y una vez los mismos tebeos, hasta el punto de conocérnoslos de memoria.

Así pues, tal como ya pensé hace años en aquel fanzine, y habiéndose producido una ruptura en la que durante muchos años todos estos personajes no pudieron evolucionar, si es que en todo caso podrían haberlo hecho, y con sus antiguas aventuras anquilosadas en el tiempo y sólo para interesados en aquella época y que quieran hacer una lectura desprejuiciada, posiblemente la única opción es que estos clásicos de décadas ya bastante lejanas se queden para eso, para un estudio analítico y como curiosidad o afición de los muy cafeteros.

 

Pero hay otra opción, que es la que estos dos autores nos ofrecieron a partir de 2015, una versión en la que, de momento en tres entregas, y más por salir, se nos ofrece una obra que en ningún momento oculta que es eso, una parodia y homenaje a Roberto Alcázar, pero con todos los elementos del cómic moderno, formato de novela gráfica y por supuesto con una mirada crítica al pasado. García, nombre en clave de un operativo del franquismo, lleva desaparecido desde 1961, y a diferencia del muy humano Roberto Alcázar posee la fuerza de un Sansón y unos poderes que recuerdan a los del suero del supersoldado, y de hecho cuando reaparece es tras despertar en una base secreta retrofuturista que inmediatamente sabemos que es un proyecto secreto del franquismo y que está nada menos que debajo del Valle de los Caídos, que en su subsuelo oculta un gigantesco complejo de laboratorios y archivos que ríase usted de los de Hydra.

Por si fuera poco hay continuas referencias a la política actual: sabemos que el antiguo acompañante de García, un niño llamado Jaimito, es ahora el jefe de las cloacas del Estado y de sus servicios más que secretos, por supuesto el presidente del gobierno es Mariano Rajoy aunque no se diga su nombre y hay un líder de izquierdas que recuerda poderosamente a Pablo Iglesias. En los dos primeros tomos veremos el regreso de García a un mundo que no comprende después de haber estado hibernado cincuenta años, cómo recibe ayuda de la hija de su antiguo compañero Jaimito, ahora don Jaime, y veremos aparecer a sosias de varios políticos o periodistas como Federico Jiménez Losantos. En el tercer tomo, con García ya algo más asentado en el mundo moderno, y para no dejar de pisar charcos, la acción pasa de Madrid a Cataluña, donde hay una conspiración que deja pequeña al Procés, y que involucra el típico tropo danbrowntiano de heredero legítimo de un tiempo histórico fundacional, en este caso a partir de una conjura del siglo XIV que desvirtuó el Compromiso de Caspe. También hay que decir que, aunque el cómic sea tan reciente, empezado a publicar en 2015, muchos de los personajes parodiados, como Albert Rivera, han desaparecido ya del mapa, y en pocos años seguramente ¡García! parezca que tiene referencias muy viejas, pero así de trepidante es la historia política reciente y los mismos autores declararon que tenían ya la sensación, cuando estaban realizando su obra, de que los estaba pillando el toro de los acontecimientos de los últimos años.

García haciéndose un Sin City.

Por si no hubiese razones suficientes para amar este cómic, por si fuera poco los dos autores son de los nuestros.

El cómic es muy divertido de leer, y la trama muy interesante, pero lo que de verdad sorprende es cómo pese a que tanto el tema como el personaje y la época en la que este vivió sus supuestas primeras aventuras darían lugar a una historia muy maniquea, los autores se las apañan para conseguir todo lo contrario. No me entendáis mal, no pretenden ser equidistaníes, pero tratan con respeto al personaje de García, que no deja de ser un peón de un régimen y que pese a ser un señoro anticuado y que cree que los chistes machistas de lo más rancio siguen siendo graciosos a la vez se comporta como una persona educada, es de una integridad intachable y a pesar del golpe inicial de encontrarse cincuenta años en el futuro intenta comprender la sociedad en la que se ha convertido España sin necesidad de ser un remedo de Martínez el Facha, e incluso cierta ingenuidad del personaje destaca todavía más si cabe en un entorno de corrupción política en el que nadie dice la verdad ni muestra sus verdaderos colores ni por equivocación.  Además, recordemos, la serie de sus aventuras no han terminado todavía, y ya se han sembrado dudas sobre cómo y dónde combatió en la Guerra Civil y cuál es la relación con su némesis, otro personaje a modo de supervillano arquetípico que parece sacado de un cómic de superhéroes o del catálogo del mismo Roberto Alcázar, y que estaba criogenizado como el protagonista. Así que paciencia.

En definitiva una obra que se sostiene con brillantez por sí misma pero que a la vez abraza lo más aprovechable de la historia nacional del tebeo español, haciéndole un sentido homenaje. Ojalá el ejemplo cunda.

Y también, ya puestos, que cunda el ejemplo de tomar buenas obras hechas en el país para pasarlas a otros formatos. La todopoderosa HBO (ya sabéis, la que muchos creen que inventó las tetas), ha decidido hacer una adaptación de ¡García! que la verdad es que de momento pinta muy bien. Veremos luego lo que sale.

Como se puede ver, la idea principal se respeta y se confía en el producto final y en la capacidad del espectador para entender lo que está viendo.

Podríamos decir que en esta serie de Amazon Prime, ambientada en los años 1940 nada menos que en Vigo, optan por todo lo contrario. Aunque en algunos aspectos la serie es solvente, y nadie duda de la belleza y capacidad de actuar de Aura Garrido, o de su química en pantalla con Jean Reno, que ejerce mitad de Watson, un cuarto del Alfred de Batman y otro cuarto del Picaporte de Phileas Fogg, la serie transcurre en un limbo histórico que es aterrador. Si vemos la lista de idiomas a la que ha sido doblada la serie, entre las que se encuentra el turco y otros idiomas del lejano oriente, como es típico en la plataforma de Jeff Bezos, está claro que se quiere hacer un producto estándar estéticamente bello pero neutro que apele a una época glamurosa, mitad del siglo XX europeo, con hermosos vestidos, lujosos coches de diseño antiguo y, como era de esperar, una especie de mensaje estereotipado "feminista ma non tropo" en el que la protagonista se queja continuamente de que no pudo ser policía como su padre y hermano mayor, con lo lista que es ella. Luego veremos que en la serie básicamente hace lo que le viene en gana sin demasiados problemas, básicamente porque es una señorita de familia bien que puede dedicarse a sus aficiones diletantes, y todos los desmanes que va cometiendo en sus aventuras quedan siempre en nada porque es la protagonista, ni más ni menos. 

Probablemente sea una serie muy disfrutable para casi cualquier habitante del planeta menos para un español que conozca un poco la historia reciente de su país, porque transcurre todo en una dimensión paralela en la que no existe un régimen político llamado franquismo. En esa época, con Truman de presidente, España no se había recuperado ni de lejos de la Guerra Civil, era la época más amarga de la dictadura cuando todavía había miles de presos políticos, estaba todavía en la memoria de todos la Causa General y se producían ejecuciones y persecuciones políticas, sin olvidar la existencia de los maquis que seguían la guerra por su cuenta. A diferencia de la serie, en la que vemos a todo el mundo vestido de punta en blanco, con magníficos coches y fiestas a las que se va con traje de gala, es la época del estraperlo y de las cartillas de racionamiento, así que eso de ir a modernas y preciosas boutiques llenas de género en una ciudad que no era ni capital de provincia es ciencia ficción o alta fantasía de la buena. No vemos ni una bandera española, ni siquiera en los edificios oficiales, cuando en la época las pancartas con soflamas que invitaban a la adhesión al régimen eran omnipresentes, y ni siquiera en las comisarías vemos una mísera foto del Caudillo por la Gracia de Dios, o ya puestos a decirlo todo, un crucifijo. Dicho de otra manera: si la familia de la protagonista es de policías desde hace generaciones, su padre era un afamado comisario de policía y su hermano es ahora un hombre de confianza del instituto armado, es porque su familia es franquista hasta las trancas, muy franquista y mucho franquista. Seguramente ella también, aunque como toda la serie transcurre en ese vacío político nunca lo sabremos. Por otro lado el personaje principal es absolutamente incoherente en algunos particulares, habla respecto a algunas cosas como si viviese cuarenta años después de su época y por ejemplo al entrar en un meublé o casa de citas con juguetes sexuales y otros objetos de depravación en vez de reaccionar como una mujer española soltera y de buena familia se pone a soltar chascarrillos como si fuera una amiga de Indiana Jones de vuelta de todo. No me cuadra.

En toda la serie se dice, sólo, una frase en gallego, supongo que para que nadie diga que no se dice ninguna. Ya sabéis, si salen elfos lo lógico es que hablen élfico, y si hacemos una serie que transcurre la mitad de sus minutos en USA todo el mundo a hablar en inglés, pero a mitad del siglo XX en Vigo y otras localidades gallegas hasta el último pescador o vendedor ambulante habla en un correctísimo español sin acento alguno, lo más natural del mundo. Paradójicamente, la serie está doblada al gallego, que en el caso de El señor de los anillos de Avellaneda tiene su gracia, pero en este caso ya ves qué puñetera falta hace. Pero tampoco nos tenemos que extrañar demasiado de ese detalle lingüístico que puede provocar una reflexión de ese tipo en cuatro mal contados, porque esta serie es eso, un contenedor hueco con la típica historia de asesino sistemático, las comisarías son asépticas aunque de época, pero aquello igual podría ser Vigo que Praga, e igualmente intercambiables son algunas escenas o tropos, como cuando la aguerrida detective aficionada se encara con un policía (todos unos blandenques que habrían durado cinco minutos en una comisaría franquista), y lo amenaza con ir con lo que sabe a la prensa y que publiquen todo, lo que provocaría el consecuente escándalo, con lo que el poli, obviamente, achanta, como si eso fuese una película interpretada por Robert Redford en los años 1970. En el mundo real el madero franquista se habría reído hasta provocarse una fisura en una costilla y le habría respondido: "Sí, guapa, ve a la prensa. Cuéntaselo al Arriba, al ABC o a El Alcázar, y si quieres te paso la lista de cabeceras bajo el control de la Delegación Nacional de Prensa y Propaganda, a ver si te hacen caso". Algunos abrimos los ojos de la sorpresa hasta parecernos a Gollum, pero el japonés que lo vea doblado a su idioma le dará exactamente igual y entenderá la escena como un tropo más porque el contexto histórico y social de la época no lo conoce ni de lejos y seguramente ni le importa.

-SuperSantiEgo

The F****ing Nicolas Cage Experience: Cara a cara, Con Air y El insoportable peso de un talento descomunal

Lo prometido es deuda entre las gentes de bien y tal como se dijo hace unas semanas nos presentamos a la maratón, o Cagetón, de películas de Nicolas Cage, a pesar de que como nos temíamos acabaríamos fritos de la espalda, que uno ya tiene una edad para según qué cosas y ya pasa demasiado tiempo seguido sentado entre semana, y sabía que eso podía ocurrir. Además en este caso, igual que en el Desembarco de Normandía, el Cagetón se desarrolló en dos frentes, y las mismas películas se vieron a la vez en Sevilla, presentadas por Paco Fox. Quizá algún día los fervientes defensores de la religión que reconoce a Nicolas Cage como nuestro Señor y Salvador organice watchparties con miles de personas, o acontecimientos de este tipo se celebren simultáneamente en cada capital de provincia, quién sabe. Algunos cultos destructivos empezaron con menos.

¿Quién es Nicolas Cage, sobrino de Coppola (el Francis Ford) y que se puso como apellido artístico el de uno de los primeros superhéroes negros de Marvel, también conocido como el Hombre Poder? Pues eso, un actor de talento descomunal que empezó su carrera en películas de prestigio pero ya de cierto tufillo peculiar, como Corazón salvaje, y que no sabemos si por convicción o pura conveniencia ha alternado papeles en producciones dramáticas de cierto calado se supone que artístico, como Leaving Las Vegas, con otras destinadas a ser puro entretenimiento y pensadas para convertirse en grandes taquillazos. Sea como fuere Nick se ha hinchado a trabajar desde que empezó en esto de la actuación, para hacernos una idea es de la misma quinta que los protagonistas de Friends, y a día de hoy es uno de los rostros más reconocibles de la cinematografía mundial. Desde 2009 su desenfrenada forma de vida y sus ostentosos gastos de todo tipo le pasaron factura, así como que, hablando en plata, sus administradores eran o inútiles o le sisaban, y por tanto entró en un período de crisis financiera que sin duda lo obligaron a meterse en proyectos de dudosa calidad que intentaban utilizar su nombre como gancho comercial, y en los que siempre él solía ser el único aliciente para ver la película. Porque Nick Cage ya es un género en sí mismo. Sólo por hablar de tiempos recientes Nicolas Cage es un titán que igual aparece con la misma convicción en un ñordo como Jiu Jitsu, de la que obviamente no hay más razón para verla sino que él está ahí, o se deja volar un güevo en Prisioneros de Ghostland vestido con un traje sadomaso, que participa con una muy contenida interpretación en El color que cayó del espacio, en rarezas como Pig o se dedica a parodiarse a sí mismo en una película metacinematográfica como es el caso que comentaremos al final.

Tal como explicó en una de las presentaciones Paco Cabezas, que lo dirigió en Tokarev, el mismo Nicolas Cage es un frikardo de marca mayor, algo que ya sabíamos porque siempre se dijo que era un flipado de los comics, el ya citado origen de su apellido artístico, su afición a las películas de género, que estuviese más que dispuesto a participar en la versión psicotrónica de finales de los 90 de Superman y que haya tenido los santos huevazos de hacer lo que algunos sólo sueñan: llamar a un hijo Kal-El, el nombre kryptoniano de ese superhéroe. Si a esto le añadimos que además fue el elegido para ser el Motorista Fantasma (qué queréis, a mí me gustan esas dos películas), o que se quitó la espinita poniéndole la voz a Superman en Teen Titans Go! todavía nos quedaríamos cortos. Porque si el amor es algo muy bonito, más bonito todavía es si es correspondido, y el amor que siente Nicolas Cage por la cultura de masas a la que él tanto ha contribuido es un amor correspondido. Nicolas Cage tiene devotos de su Arte con mayúscula por todo el mundo, y además se ha convertido, o más bien lo han hecho algunas de sus muecas, en un meme. Probablemente en un futuro lejano, cuando todos hayamos desaparecido, la gente todavía seguirá utilizando esas imágenes y dándose réplicas con algunos de los memes sacados de las películas de Nicolas Cage.

De un modo u otro nos sobrevivirá a todos.

En el caso que nos ocupa, y para hacer boca antes del estreno, se proyectaron dos películas de 1997 que se estrenaron con apenas dos semanas de diferencia, y que corresponden a la etapa en la que Cage se convirtió en uno de los actores mejor pagados de Jólibud, y que además corresponden a un período clásico del cine de acción en el que todavía no sobreabundaban los efectos especiales por ordenador, sino que todo se centraba en la espectacularidad de las explosiones reales y en las costaladas de impresión que se daban los especialistas para no afectar a la integridad física de los actores reales.

[Casi que no habría necesidad de decirlo para películas que tienen más de veinte años, pero tanto de estas como del estreno puede que haya destripes de argumento a partir de aquí, así que cada uno que haga con su vida lo que quiera.]

El primer pase nostálgico fue Face/Off, titulada Cara a Cara en España y Contracara en español latino, vaya usted a saber por qué. Como supongo que tendréis la misma curiosidad que yo a este respecto el eufemismo (y precisamente suena más guarro por serlo) que utiliza Castor Troy sobre su capacidad de "comer un melocotón toda la noche" en la versión doblada en España se convierte en "una perita", en la versión con subtítulos que vimos en este maratón se convertía en "un bombón" y en Contracara se conservó como "durazno". Quién sabe, como las palabras cambian de significado con el paso del tiempo no se puede descartar que más de uno se confunda ahora ya que el emoticono del peach, melocotón o durazno, 🍑, se identifica con el mismísimo cool'o.

Cara a cara es... un despropósito, y la interpretación de Nicolas Cage sólo se puede describir como que ha puesto el dial de la interpretación al 11 en todo momento, y lo único único que puede hacer el resto del reparto, incluido un excelente John Travolta que volvía a vivir una nueva década de gloria, es seguirle apenas el ritmo a Nick y al director John Woo. ¿Quiero decir con esto algo malo? Todo lo contrario. "Despropósito" es "Dicho o hecho fuera de razón, de sentido o de conveniencia", algo que en nuestras tristes vidas tiene un significado y por tanto deberíamos siempre evitar, pero que en una película, si se sabe controlar y no te explora en la cara, que es lo más normal, puede generar una experiencia cinematográfica tan absurda como plena igual que lo es montarse en una montaña rusa de las más locas. ¿Sirve de algo pagar una entrada en una montaña rusa, cambia tu forma de ver la vida o va a ser una epifanía, y al fin y al cabo después de un rato vuelves al mismo sitio del que partiste? Todo lo que queráis, pero te da un subidón que no veas. Pues esta película es exactamente eso, ni más ni menos. El guion no tiene sentido, algunas cosas pasan a conveniencia y en muchos aspectos es una burla a la razón. Pero es que está hecho así a propósito, y una vez vemos a Nicolas Cage pasando a la posteridad con uno de sus mejores memes, el de cura sobón de nalgas demasiado jóvenes, ya sabemos que hemos entrado de lleno en el reino de la locura. Una locura divertida y sin pies ni cabeza que está más cerca de Mortadelo y Filemón o una película del Gordo y el Flaco que de John Ford o del tío de Nick.

No os voy a desvelar algo que ya no sepáis: Cage y Travolta, respectivamente un terrorista a sueldo y un agente del FBI, se intercambian los gepetos en una operación de (pseudo)ciencia-ficción que sólo nos podemos creer por los más puros loles, ya que por si fuera poco luego la forma en la que la mujer del agente obtiene una prueba irrefutable del cambiazo es que los dos tienen grupos sanguíneos totalmente distintos, pero aquí no hemos venido a darnos cuenta de que se violan las más elementales leyes del rechazo entre donaciones de órganos, aparte de que nos plantean que quitar una cara y poner otra lo hacen parecer tan simple como cambiar una pegatina, sino a desfasar a base de bien. Otro elemento recurrente en las pelis de la época, y que de vez en cuando reaparece en películas con algún elemento fantástico, es el de la "fortaleza infernal", una penitenciaría con medidas de seguridad propias del más desmadrado estado fascista y elementos tan fantasiosos como unas botas magnetizadas muy cucas. Cualquier instalación de máxima seguridad habría valido para el caso, pero la película, reitero, está puesta en todo momento al 11, y eso que salimos ganando todos. Por cierto que otro "fallo" del guion es el nombre de los personajes. Quizá alguna gente no entienda que la relación entre los dos hermanos sea tan intensa, lo que justifica la elección de los nombres Cástor y Pólux, pero aun así no tiene mucho sentido ya que los dos hermanos del mito son gemelos, mientras que en la película Pollux es el hermano menor. Sus padres tenían mucha fe en el destino, como poco. En la versión traducida lo que llama Castor Troy a su hermano pequeño es "hermanito", lo que a este lo chincha un poco, pero en la versión original es sencillamente "bro", así que nuevamente comprobamos lo rápido que puede cambiar el lenguaje.

¿Qué más se puede decir? Tenemos a John Woo en su salsa, a Nicolas Cage pasadísimo de vueltas en cada escena, a John Travolta imitando a Nicolas Cage, cámaras lentas para mostrar la infinita molonidad del villano y, eso ya ni se pregunta, más palomas dentro de una iglesia que en una convención mundial de colombofilia. Hay rumores de que puede haber una segunda parte todavía no se sabe de qué manera, y todo el mundo ya os imagináis lo emocionado que está por ello:

Es fácil venirse arriba con una película como esta, así que el reto es mantener el subidón, y por eso no puede haber mejor elección que ver inmediatamente después, previo paso de estirar las piernas y cambiarle el agua al canario, claro, Con Air. Convictos en el aire.

Reconozcámoslo: tras ver la primera película, y después de conocer otros trabajos del mismo actor, podríamos llegar rápidamente a la conclusión de que Nicolas Cage no es más que un histrión (por si no lo sabéis, el femenino es histrionisa, no histriona), palabra antigua que significaba eso, actor, pero que terminó refiriéndose a una forma de actuar, probablemente la predominante durante siglos, en la que los actores declamaban de forma exagerada y rimbombante los textos, a la vez que exageraban también sus gestos faciales y corporales. Lo que también llamamos sobreactuar, o una actuación a la que le falta naturalidad. Es inevitable aceptar que Cage, cuando quiere o cuando lo dejan, puede ser un excelente histrión, pero sólo si la ocasión lo merece. En Cara a cara Castor Troy sólo puede ser interpretado de forma satisfactoria de forma histriónica, el mismo Travolta lo hace también, y si a cualquiera se nos inflamase el cráneo con llamas producto de una posesión infernal a ver qué cara pondríamos. 

Por eso, aunque Con Air es otro desmadre absoluto, el personaje en este caso, Cameron Poe, lo interpreta de forma completamente diferente y sin histrionismo: padre de familia, convicto arrepentido y buen tío en general, lo único que quiere es reunirse con su familia, que consiste en una mujer y una niña que podrían ser protagonistas de cualquier cartel en el que se cantaban las alabanzas de la más pura raza aria, porque sencillamente las dos no pueden ser más rubias, es algo hasta exagerado. El muchacho, un exranger que ya ha pagado por completo su deuda con la sociedad, es además de Alabama, y ya no entro en los chistes de "Alabama man" y de las pintas de paleto que se gasta en toda la película, aunque no da de todo el tipo porque tiene demasiados dientes. Tal como dice el avance de la época, se sube en el avión equivocado, aunque en realidad eso tampoco dependía en absoluto de él. Y sus poco apetecibles compañeros de vuelo son una perfecta reunión de clichés de criminales ultrapeligrosos a cada cual más bestia y con una lista más impresionante de crímenes aberrantes en su historial. El reparto está lleno de estrellas ya consolidadas como Jonh Malkovich, otro actor que con un sólido prestigio en teatro y películas "serias" se pasó en cuanto pudo al cine de acción y grandes presupuestos para cobrar cheques cada vez con más ceros, y otras tan conocidas como John Cusak y Danny Trejo, además de muchas otras caras conocidas.

Si bien Con Air no es un despropósito sí es un despiporre de principio a fin, otra montaña rusa sin descanso con un ritmo endiablado en el que tenemos que creernos, como suele ser lo habitual en películas con premisas parecidas, que unos convictos encerrados en prácticamente un aislamiento total pueden planear de forma casi milemétrica un complicado plan de fuga que por supuesto va a funcionar con la precisión de un reloj suizo... hasta que llega el héroe de turno y como ya sabemos lo echa todo a perder. Por supuesto el aguafiestas es Nicolas Cage, que ya desde el principio nos regala otro conocido meme, el momento Timotei, palabra esta de timotei que es el nombre en finlandés de la vulgar hierba triguera, para que no digáis que leyendo mi blog no se aprende nada:

"Contemplad la magia de mi pelo."

Nuevamente, qué os voy a contar que no sepamos todos ya: no hay suficiente maldad ni malvados en el mundo que se puedan oponer a un héroe elegido por el mismo Dios para repartir su justa cólera, y el señalado por la divinidad superará (relativamente) indemne todas las muchas pruebas que le depare el metraje, ya sea en el aire o en tierra, y si hubiese sido necesario lo habría hecho también en la mar océana. Engañará a sus enemigos, escapará de una gigantesca deflagración de combustible, salvará la vida de su amigo que es un convicto honrado y repartirá yoyas a todo el que intente impedir que pueda reunirse con su familia nuclear; de paso impartirá justicia contra todo aquel que suponga un desafío al orden social, de modo que asesinos y violadores recibirán cada uno la justicia que se merece, por supuesto de forma espectacular y salvaje por medio de persecuciones, explosiones y la aplicación de generosas cantidades de ultraviolencia.

En este caso, como la premisa no es un chiste en sí misma como ocurría en Cara a cara, hay mayores dosis de humor que nos recuerdan que esto es ni más ni menos que lo que hemos venido a ver, un despiporre.

Eso sin contar que luego, si lo pensamos, encontraremos no pocos sinsentidos, como que el avión consiga seguir volando después de que un helicóptero de combate lo fría a tiros o el absurdo mismo de que alguien se plantee en serio derribar a un avión civil como si aquello fuera la guerra. Pero aquí hemos venido a jugar, y las reglas del juego está claro que son bastante laxas.

Sin embargo, la película tiene un extraño verso suelto, y que es de difícil interpretación, el personaje de John Buscemi, actor muy de moda en la década de los 90 y que por las peculiaridades de su rostro era propenso a caer en papeles como el de esta película, en la que interpreta a un psicópata nivel Hannibal el Caníbal. Es por tanto tratado como un héroe por el resto de los convictos más peligrosos, pero sólo porque esto es una película, y no vamos a entrar en que los presos, incluso algunos con delitos muy graves, sienten verdadera repulsión por otro tipo de crímenes horrendos, véase M, el vampiro de Düsseldorf. Pues bien: este personaje no hace prácticamente nada en toda la película, excepto mantener algún que otro diálogo tenso con el protagonista y poner la misma cara de póker cuando las balas de 50 mm pasan a su alrededor que la que mostraría si estuviese viendo llover. Como hemos visto que el resto de los malvados a la mínima oportunidad que tengan reinciden en su maldad cuando este peligrosísimo psicópata se encuentra a solas con una niña que anda sola por ahí porque sí en un lugar sombrío de mala muerte (porque es una película, y esas cosas pasan), nos tememos lo peor, pero cuando el avión vuelve a despegar con el psicópata dentro la misma narración nos asegura por medio de la aparición de la niña que no sólo esta sigue viva, sino que ha pasado un buen rato jugando con el asesino, a quien al acabar la película veremos que es el único que ha escapado tranquilamente del vertiginoso final y se encuentra con la misma cachaza de siempre jugando en un casino de Las Vegas mientras suena Sweet Home Alabama. ¿Acaso el personaje, definido por un radical nihilismo y que nos ha dado su versión de lo que es la ironía, ha comprendido por medio de esa película de destrucción y matanza que se ha desarrollado a su alrededor que es lo mismo ser un criminal odioso que alguien que no lo es? Bueno, es una interpretación, pero tampoco tenemos que pensar que va a quedar completamente impune y quizá sólo está echando un buen rato antes de que tarde o temprano lo vuelvan a enchironar, porque con esa cara el incógnito no es una opción. La interpretación de si el personaje realmente ha tenido una epifanía o cuál va a ser su destino último ya queda a gusto del espectador.

Hay que aclarar que, al igual que en la pasada ocasión, el visionado de estas películas fue en estilo libre, estaba admitido dirigirse en voz alta a los protagonistas o escojonarse de momentos como ese en el que Nicolas Cage parecía que había estado horas esperando en el laboratorio a que su mujer se decidiese a hacer el análisis de sangre clave, anda que no es casualidad que eligiera el laboratorio correcto y que además esté convenientemente vacío, pero lo trepidante de ambas tramas y la profusión de disparos y explosiones tampoco es que dejase mucho espacio para que la platea se pronunciase. Esto se redujo todavía más en el caso de la película de estreno, tanto por lo interesante del argumento y los diálogos como por eso, que nadie la había visto todavía y no queríamos perder ripio de lo que pasaba en la pantalla.

Disculpa me perdona: ¿que Paco León no se ha doblado a sí mismo? Venga, no me jodas. Ya sé que a veces es difícil cuadrar agendas o que puede que incluso no lo llamasen para hacerlo, pero perderse la voz del Luisma, qué disgusto. En fin... no haré más comentarios.

Tenemos en este caso una metapelícula: una película en la que Nicolas Cage se interpreta a sí mismo. Muchos comentarios hubo sobre este particular cuando se anunció el proyecto, y por supuesto de este modo Nicolas Cage pasa al panteón de actores que no sólo han hecho una pequeña aparición o cameo haciendo de sí mismos, sino que en toda la extensión de la palabra se han interpretado a sí mismos en una película entera. Para ir haciendo boca y prepararnos para la experiencia metacinematográfica entre los avances y publicidad previos a las películas se incluía el de la misma F****ing Nicolas Cage Experience que encabeza esta entrada, así que nos animaban a asistir a aquello mismo a lo ya estábamos asistiendo, y esto provocó metacomentarios del tipo "¡Joder, parece interesante, no me lo perderé!" o "¡Habrá que ir!"

Esta película que cierra el Cagetón es no sólo muy disfrutable, sino que funciona como un mecanismo de narración posmoderno a varios niveles. Aunque reacio en principio a hacerla, pues temía que la película fuese una burla velada de su persona (ya sabéis, una cosa es el guion que lees y otra el producto final que se obtiene después del montaje final), y sin que sepamos si el mismo Cage metió mano en el guion o dio algunas ideas, a un primer nivel esta película es una reivindicación del mismo Cage como actor, de las elecciones que ha tomado en su carrera y de la misma idea del cine no sólo como arte mayor, sino como fábrica de sueños, de puro entretenimiento y como elemento inspirador en nuestras vidas. Por supuesto no sabemos qué es lo que piensa en auténtico Nicolas Cage de algunos temas que se tratan en la película, y él mismo se ha encargado de especificar que lo que vemos en este título es una versión ficticia de él mismo, pero es difícil no imaginarse que a pesar de que se toma muy en serio su profesión, el arte dramático, el Cage real también piensa que actuar es fundamentalmente su trabajo, la forma en la que se gana la vida como cualquier otra persona, aunque en su caso le haya permitido mantener ciertas conductas alocadas de gran estrella, comprar castillos, mansiones y muchos objetos extravagantes, y en definitiva abundar en la idea de que todo trabajo es digno si te pagan por él y tú te lo tomas con profesionalidad, incluso si tienes que aparecer en un mojón de película, y no olvidemos que en España en cuestiones laborales el que más o el que menos ha terminado diciendo "en peores plazas he toreao".

Javi Gutiérrez, el personaje interpretado por Pedro Pascal (el Mandacaralloniano), representa básicamente al espectador de la película: el rendido admirador del actor hasta llegar al punto de la idolatría, y que lo ve más que como un actor como un médium que de forma casi sobrenatural consigue crear magia, el cine, y que cuando conoce al auténtico Cage descubre que como persona es incluso una persona más digna de admiración. Porque la película es también, por supuesto, un bromance o machomance como pocas veces se han visto: rápidamente nace una profunda amistad entre los dos a través de un amor común que es el cine, además de la afinidad personal, y mientras discuten la posibilidad de hacer una película y sus distintos giros del argumento estos en paralelo se producen en la misma película que nosotros estamos viendo. Todo esto, mal hecho, sería un frangollo muy difícil de digerir, pero la película se las apaña para salir airosa en todo momento. Hay momentos hilarantes, que demuestran que Nicolas Cage puede hacer comedia perfectamente, y todo transcurre en un tono ligero que no frívolo, incluido el tercer acto en el que ya hay tiros y persecuciones, y aparece una "navaja de Chéjov".

La película transcurre en su mayor parte en Mallorca, y el arranque de la película es el secuestro de la hija del presidente de Cataluña (no vamos a pedirle al guion original que sepa que debería decirse la Generalitat), y un momento antes de que se produzca la muchacha está viendo con un amigo el final de Con Air. También habrá referencias a otras varias películas interpretadas por Cage, sobre todo a Cara a cara, así que la elección de las dos películas anteriores no fue casual. La película se rodó en Mallorca en gran parte, por tanto los paisajes y calles que veremos son reales, buena publicidad para la isla, oímos que suena una canción de Luz Casal y, como todos sabíamos ya, aparece Paco León teñido de rubio y hablando en inglés con patriótico acentazo español. Como en este blog nos gustan ese tipo de análisis más que a un tonto un lápiz no me voy a privar: el uso del español en la película es... aleatorio por decir algo. Es lógico que si todos saben hablar inglés hablen en ese idioma cuando esté presente Nicolas Cage, pero por alguna extraña razón Pedro Pascal y Paco León cuando hablan entre ellos intercalan frases en ambos idiomas sin que eso tenga ningún sentido, y tampoco lo tiene que el empresario español y su secretaria hablen entre ellos en inglés porque sí. Sí que hay que reconocer que al menos, igual que ocurrió en Origen de Dan Brown, se han molestado en que el español que se oiga sea reconocible como español ibérico, nuevamente no sabemos si estaba así en el guion original o echaron mano de los actores españoles como Paco León o quién sabe si de dos actores que hacen un papel de figuración como Majorcan Guy #1 y Majorcan Guy #2, el pelirrojo Enrique Martínez y el calvo Manuel Tallafé, que se están comiendo tranquilamente un helado sin meterse con nadie. Así que sí, Paco León habla como un español cualquiera y dice cosas como "el que maneja el cotarro", mientras que el chileno Pablo Pascal, que lleva viviendo gran parte de su vida en los EEUU, tiene un acento un poco vacilante e incluso cuela un "¿Qué onda?" que tendremos que explicar con que probablemente su personaje también se educó en el extranjero. Pero bueno, sólo es un detallito. Del mismo modo cuando por fin la hija del presidente de Cataluña conoce a Nicolas Cage nunca diría para sí misma en inglés "The fucking Nicolas Cage", sino algo como "Cony, nen, és el puto Nicolas Cage". Catalán o mallorquín no aparecen en la peli, a no ser que uno se fije en algún cartel, que entonces sí que los encontrará.

La película además de mostrar referencias a otras películas de Cage permite que el actor se parodie a sí mismo y se ría de algunos de los rumores que circulan sobre él. Incluso aparece una versión más joven del propio actor, de hará unos treinta años, los tiempos en los que salía en películas como Corazón salvaje, versión rejuvenecida esta que protagoniza el único momento erótico de la película con una afirmación respecto a la que nunca hemos tenido duda alguna: "Nicolas Cage da buenos morreos", y cualquiera que los reciba se entrega a ellos con pasión. Ya lo entenderéis cuando veáis la película. Por supuesto también hay una referencia al "Nouveau Shamanic", el método interpretativo que Cage usa para crear sus personajes, y del que habla muy en serio cuando le preguntan, pero no se lo toma tan en serio como para no hacer un buen chiste sobre ello.

Por último la película acabará con un giro que algunos vimos venir, aunque reconozco que tampoco hay que ser un lince para intuir lo que va a suceder: la última escena que completa el tercer acto no es ya la de la película que estamos viendo, sino que es la última escena de la película de la que se habla a lo largo de la película que hemos estado viendo, así que aparece otra actriz interpretando a la hija del protagonista y la actriz que hemos visto que es su exmujer se convierte en Demi Moore, para volver luego a la realidad de dentro de nuestra película porque nos encontramos ya en el estreno de esa película creada por Javi Gutiérrez y Nicolas Cage y de la que tanto los hemos oído hablar, y esto nos conduce a las últimas escenas donde se hace la última reflexión sobre el amor al cine y a contar historias, y el efecto que estas tienen en las vidas de la gente.

Porque muchas cosas puede que sean contingentes, pero desde luego no hay duda de que Nick Cage es necesario.

-SuperSantiEgo

TDC Weekend: Estrenos de Todo a la vez en todas partes, Top Gun Maverick, y cuatro pelis de culto de los 80

 

La semana pasada hubo excusa para salir de casa, porque sí, yo sigo trabajando en mi habitación desde que empezó el confinamiento hace más de dos años, y esta excusa fue que se proyectaban seis películas, seis, por parte de la gente de Tiempo de Culto, colectivo que comparte efectivos con Cinecutre y en general el Foxverso. Si alguien no entiende algo de este párrafo, no se lo voy a explicar.

La cuestión es que el viernes y el sábado se proyectaron estas seis películas, pudimos desvirtualizarnos gente que sólo nos conocíamos a través de Twitch y eso, que vimos lo que además fuimos a ver. Las películas las fueron presentando estos dos señores y algún que otro personaje que se unió a la fiesta, e incluso se hizo un breve concurso de preguntas con premios tan preciados como deuvedeses y palomitas de maíz para microondas.

Grogu no se lo quiso perder.

Empezamos con la siguiente:

¿A santo de qué pusieron esta película que es básicamente una parodia al 80% de Top Gun con algunos añadidos de otras pelis de la época? Porque la idea inicial era proyectar en sesión doble esa película y su actual secuela, pero los organizadores no lo consiguieron y optaron por ponernos de aperitivo esta parodia que básicamente cuenta la misma historia, para qué nos vamos a engañar. Además, tampoco es que haya sido imprescindible ver la primera parte para entender la segunda. La parodia es una de las más conocidas de la época y está a cargo de las mismas firmas que durante esa década hicieron que ese género viviese cierto esplendor. Vamos, que te ríes en más de una ocasión, algunos chistes y golpes de humor siguen haciendo gracia y luego hubo una segunda parte incluso mejor, Hot Shots 2. Como es bien sabido, las comedias son más divertidas vistas en compañía, y las pelis de miedo dan más canguelo si las ves solo.

De todos modos hace poco, y como estaba en Prime, me volví a ver la Top Gun original porque, que yo sepa, sólo la vi una vez, y además unos añitos después de su estreno, que no vi en el cine... porque en aquella época yo ya pasaba de ciertas cosas, supongo, o quizá porque nadie me dijo de ir a verla, ahora no me acuerdo. La verdad es que como peli de acción, avioncicos que hacen cosas por el cielo y rollo patriotero, pues funciona más que aceptablemente y se nota que estaba a los mandos el hermano listo de Ridley. Estamos hablando de que estábamos en plena fase final de la Guerra Fría, en la Era Reagan, y que coincide en el tiempo con Rambo y otras películas por el estilo. Es bien conocido que hubo un considerable aumento de solicitudes de ingreso para ser pilotos, y que todo el mundo quería tener la chupa de cuero, las gafas de sol y la moto de Tom Cruise, y ya puestos a pedir, la rubia del cartel. La película es famosa además de por todo eso por sus canciones, por la interpretación gay de Tarantino y porque hizo despegar definitivamente las carreras de Tom Cruise y de Val Kilmer.

Con algo más de enjundia que su primera parte, y ya con Tom Cruise como único vehículo de lucimiento, hay que reconocer que pese a algunos elementos modernos parece que en algunos aspectos no ha pasado el tiempo. En primer lugar para el actor, que a sus ya sesenta añazos nos hace creer que realmente el ejército podría ofrecerle una misión de ese tipo, y lo mismo se puede decir para la forma en la que está rodada, a la antigua, con un mínimo de cgis y casi todo en imagen real. Por lo demás, pues para eso está la suspensión de la incredulidad: tenemos que creernos que a esa edad no sólo sigue en el ejército, sino en activo, y que como la misión que ejem ejem, la trinchera del Episodio IV, ejem, sólo se puede realizar con aviones ligeramente anticuados de cuarta generación porque patatas, pues llaman al veterano para que entrene a los ya avezados pilotos que tienen que llevar a cabo la misión. Entre ellos se cuenta el hijo del gran amigo de Tom que muere en la primera parte, Goose, zagal al quien vimos en la primera parte y que tendría que estar buscando por tanto ya los cuarenta años, que obviamente no aparenta, igual que el resto de pilotos tiene una pinta muy joven. Obviamente Tom y su ahijado no podían ser amiguitos, entonces dónde está el drama, así que están peleados, y por supuesto aparece un antiguo interés romántico encarnado por la siempre bellísima y talentosa Jennifer Connelly.

A partir de ahí el argumento funciona como un reloj; es decir, con precisión pero también de forma absolutamente predecible. Pero bueno, estamos viendo una peli destinada a ser un taquillazo, algo que está consiguiendo de sobras, no una obra de teatro del absurdo. Como era de esperar Tom sigue siendo un maverick, va por libre, y el destino lo va recompensando por el camino: se enfrenta a sus superiores,  consigue el respeto y admiración de sus alumnos y un poco por arte de birlibirloque termina comandando la gran misión que sólo se puede realizar echándole un par de co-jo-na-zos al viejo estilo, que es un poco lo que viene a ser toda la película. Tal como todos sabíamos que iba a ocurrir Tom consigue que los USA se impongan a... alguien. Porque en la anterior película obviamente los malos eran los rusos y sus aliados, vuelvo a insistir que aunque ya en tiempos de distensión la Guerra Fría no había terminado, pero en este caso los malvados que quieren crear una planta de procesamiento de uranio y que conducen unos aviones SU-57 rusos de quinta generación que pueden dar matarile a los F-18 de nuestros chicos no sabemos si son eso, rusos, norcoreanos o chinos, porque casualmente, ya es mala suerte, justo los que vemos no llevan ninguna insignia reconocible, y los pilotos usan unos cascos completamente opacos, así que podrían ser incluso extraterrestres. Son malos, malos más genéricos que el paracetamol.

Es de reseñar que en el tercer acto, lo que viene a ser la resolución de la épica misión, se alarga no sólo para que Tom y el zagal (que, repito, debe tener ya cuarenta años) tengan su momento especial y que veamos que un luchador por el mundo libre se las apaña en cualquier circunstancia, que por algo son el país del emprendimiento. Por eso todos, al ver una de las escenas anteriores, en las que aparecía por ahí un F-14, los aviones protagonistas de la primera parte y que ya no se utilizan por el ejército USA, nos sospechamos que se iban a marcar una sacada de chorra especial en plan fanservice que provocase el aplauso unánime de la platea, como así ocurrió. Al final Tom se reconcilia con su pasado, salva al mundo, se queda con la madurita, que ya le gustaría a más de una de treinta estar así, y se aleja triunfante hacia el horizonte en el que vemos una puesta de sol.

En la sala de al lado ponían una que era un drama costumbrista. Nadie nos obligó a ver esta.

Al día siguiente, sábado, vimos en sesión matinal, para empezar el día descansados, el otro estreno, que es Todo a la vez en todas partes, o Todo a cholón en todas partes como título alternativo:

Y es que, señoras y señores, que en culo todos tenemos flores, los multiversos están de moda. No me preguntéis cómo, pero así es, y nadie sabe cómo ha sucedido. Lo que hasta no hace mucho parecía un concepto que difícilmente podía llegar al público general y que sólo era patrimonio de los lectores de ciencia ficción o de las locuras abigarradas que son los universos superheroicos, resulta que ahora triunfan en productos que llegan a muchos millones de personas. He ahí la reciente entrega de Spider-man, en la que como si fuera un especial de Doctor Who se reúnen los tres actores que desde 2001 han interpretado al personaje. Algo que, no lo vamos a negar, a todo aficionado hizo que el culo se le hiciese gaseosa, y que es del mismo modo un truco para conseguir que como mínimo todas las películas de factura Sony, y las de Fox de mutantes con la aparición de Patrick Stewart en la peli de Doctor Strange, se conviertan en semicanónicas y se puedan seguir vendiendo como parte del UCM. Por ese lado, buena jugada, permiten meter cosas muy locas en las siguientes fases de ese UCM, como ya insinuaron en la serie de Loki, y a partir de ahora cualquier incoherencia o falta de continuidad ya sabemos cómo se explicará: si no es que lo hizo un mago, es cosa del multiverso. Si no lo entiendes, haber estudiao. No sé exactamente qué, pero haber estudiao.

Lo de esta portada, ¿qué? ¿Era para despistar?

Si uno es frikardo lo de los multiversos, sin embargo, se lo trae ya sabido de casa. ¿A qué me dedicaba yo en 1986 en vez de ver a Tom haciendo cruising por las pistas de voleibol? Pues quizá estaba leyendo El número de la bestia, de Robert A. Heinlein, editado en 1980, y en la que se supone que el número de la bestia es (6^6)^ 6, el número de universos adyacentes al nuestro y de fácil acceso, de modo que Heinlein retoma a gran número de sus personajes de otras novelas suyas y los hace recorrer el multiverso de ese autor en una historia muy loca que corresponde a la etapa final de ese siempre polémico autor de tendencias libertarianas, y en la que incluso aparece un personaje que cambia de sexo, para que veáis lo modernos que eran algunos hace cuarenta años.

Más reciente, e incluso más cercana en argumento a este reciente estreno, está El elegido (2001), una putrícula que demuestra que puede que haya buenas y malas ideas, pero incluso las buenas hay que saber llevarlas a buen puerto y sacarles partido. En este caso de manera bastante insulsa nos cuentan una historia de multiverso cogida con pinzas, y que además se convierte en un desastre glorioso por medio del doblaje al español, pues nos hablan varias veces del universo penal jeids, hasta que vemos eso escrito y leemos que es Hades. En fin... Ya, ya sé que no hacía ninguna falta recordar esta película y que habíamos conseguido olvidarla, pero no pienso sufrir yo solo. 

Volviendo a la película de los Daniels y protagonizada por Michelle Yeoh, otra que entra en los sesenta palos de edad como si tal cosa, tenemos de nuevo una historia de multiversos en colusión y en la que distintas versiones de una misma persona pueden ceder recuerdos y habilidades a otra en medio de un conflicto cósmico en el que un ser humano ha llegado a ser consciente a la vez de todos sus yoes posibles. Esto le confiere un poder casi divino y lo aboca a una suerte de desolación cósmica, ya que por medio del conocimiento del todo, y de que todo es posible y por tanto absurdo en sí mismo, se alcanza el nihilismo absoluto. Suena mucho más serio de lo que es, porque en realidad la película es todo lo contrario, y las bases filosóficas que la sustentan bastante evidentes: igual que para Nietzsche hay un buen y mal nihilismo, y Camus dice que en el mismo absurdo de la existencia es donde ésta puede cobrar su verdadero sentido humanista, la película resuelve esa desolación existencial por medio de la resignación ante la misma inmensidad de la propuesta. Es decir: tan lógica es la desolación y el deseo de, ante la crueldad y arbitrariedad del mundo, querer regresar a la nada, alcanzar la extinción de todo deseo y existencia como herencia de la tradición religiosa asiática, como puede ser lógica la aceptación de cuál es esa verdadera esencia del universo y centrarse en la compasión y en hacer llevadera la carga de la existencia a los demás después de haber alcanzado la iluminación. El final puede entenderse, quizá de forma cínica, como un tanto edulcorado, pero eso ya también es un poco a gusto del consumidor.

Todo esto suena muy profundo, y sin duda lo es, pero no debemos olvidarnos de que esta modesta producción, que sin embargo tiene a actores reconocidos y hace que parezca que el presupuesto ha sido aprovechado en cada dólar, es una película divertidísima que aprovecha para contar de forma más que efectiva un drama personal, una historia de amor familiar y el conflicto cósmico ya expuesto, todo aderezado con peleas espectaculares, diálogos ingeniosos y momentos de despiporre en los que se nota el mimo que se ha puesto en cada pieza del guion. Si no te ríes con un universo en el que la gente en vez de dedos tiene perritos calientes, es que lo tuyo no tiene remedio.

Por último y ya por la tarde nos vimos en maratón tres pinículas ochenteras o de videoclub del género "el derechismo bien entendido conduce a la acción", como se dice en nuestro blog hermano y amigo Vicisitud y Sordidez. A todo esto falta comentar una cosa, y es que en este tipo de saraos el visionado es lo que se denomina de "estilo libre", en el que prima la espontaneidad y la interacción con la misma película. Así que aunque sí hubo algunos comentarios en la de Top Gun, que tampoco te dejaba en algún momento mucho espacio para respirar, y en general la gente no abrió mucho el pico enfrascada como estaba en las complejidades del multiverso, se espera que en el caso de la apoteosis del cine de consumo palomitero la experiencia colectiva se aderece con comentarios, gracietas, albures y retruécanos, lo que hacemos más o menos en el típico visionado de ese tipo de películas en casa entre amigos, sólo que con más gente. De hecho la audiencia ya calentaba motores incluso con la publicidad que insertaron antes de cada película, en la que una animación nos contaba los infortunios del pobre Ramón con su negocio y su falta de personal, de modo que todos saludábamos con un "¡Hola, Ramón!" cada vez que este aparecía, y a partir de ahí barra libre. Yo nunca he estado en la India, pero algunos que sí han viajado allí y por alguna extraña razón han ido al cine en ese subcontinente dicen que la experiencia es sencillamente surrealista, los espectadores literalmente LO VIVEN, tienen conversaciones con la pantalla y cuando se baila, y en casi todas las películas indias se baila, la gente se levanta de la butaca y se pone a menear el bullate. Algo así me contaba mi padre de cuando él era pequeño y alguna gente no lo podía evitar, y así alguna señora mayor al ver una película de María Félix de repente estallaba y le gritaba a la pobre mujer que dejase a ese sinvergüenza, que no la merecía, o algunos intentaban advertir a John Wayne de que el forajido lo esperaba detrás de una roca con malas intenciones. Eso con el streaming se pierde, esa es la verdad.

Pues eso, que en el cine no se habla... pero a veces sí.

Primero nos empujamos Delta Force, una de las más conocidas películas de Chuck Norris en la que se recrea de forma chanante la cultura de los secuestros aéreos que habían dado mucho que hablar en los años anteriores. Veremos cómo los musulmanes son muy malos y persiguen a los judíos, que sin embargo se llevan muy bien con los cristianos americanos que sus compatriotas de la Delta Force tendrán que ir a rescatar. A ver, que también se entiende que tenga que existir un cuerpo así, porque básicamente lo que vemos es que la seguridad del mundo entero es un pitorreo, los terroristas andan por Líbano como Pedro por su casa. Para hacer justicia a tales despropósitos cada vez que sonaba en pantalla la sintonía principal de la película, que es la que se eligió hace tiempo para los saraos de Tiempo de Culto como se ve en el primer vídeo de esta entrada, todos tarareábamos la tonadilla y marcábamos el compás dando palmas. Cada vez que Chuck le aplaudía la cara a alguien, o cuando se carga al malo a poco sutiles misilazos después de haberle hecho entender el temor de Dios a base de hostias dadas de canto, pues imaginaos el nivel de decibelios que alcanzaba aquello jaleando a los comandos especiales del mundo libre. Poco más se puede decir de un clásico así.

A continuación, la película que dio a conocer al mundo a los Músculos de Bruselas, una de las pelis fundamentales del cine de artes marciales hostias: Contacto Sangriento, o Bloodsport. Aparte de sus muchas virtudes como peli de hostias pasados los años nos permite una reflexión sobre cómo algunas cosas han afectado al mundo a través de la globalización. Hace poco supe de un grupo que un poco en la onda de los Village People (cantaba uno, y los otros bailaban), funcionó en Brasil entre los últimos años de la década de los 70 y principio de los 80, Grupo Súper Heróis, en el que Supermán, Spider-man, Thor y la Mujer Maravilla cantaban canciones destinadas a un público juvenil, y que gozaron de gran éxito en su país hasta que en 1982 se les ocurrió viajar a Portugal. Sólo así después de cuatro años se enteró la Marvel de que estaban usando sin ninguna compensación sus propiedades intelectuales, y la discográfica recibió un mensaje que más o menos decía: "¿Estáis de coña o qué?". Sin embargo hace no mucho a un impostor que se hacía pasar por PSY, el de Gangnam Style, lo detectaron en cero coma porque el verdadero estaba en otra ciudad muy lejana donde iba a dar un concierto, así que aquello era imposible, y en los tiempos de los smartphone y las redes sociales el engaño no dura ni un rato. Esto viene a cuento a que la película interpretada por Van Damme es el supuesto biopic de Frank Dux, un artista marcial de gran éxito en USA y que sigue teniendo bastantes seguidores que se creen que realmente existió un kumité del que nadie más en el mundo ha oído hablar, y todavía en 1989 era común en revistas del ramo como Dojo, o en las publicaciones de comics de artes marciales de Vértice en las que conocimos a Shang-Chi, que hubiese reportajes que daban por buenas todas las fantasmadas de supuestos iniciados en esotéricas técnicas de lucha que casualmente sólo ellos conocían y que habían aprendido en largos viajes iniciáticos a regiones del lejano oriente. Frank Dux a este respecto no era más que un continuador de una poco noble casta de timadores que vendían orientalismo o exotismo baratos, entre los que se cuentan Lobsang Rampa, la misma Madame Blavatsky o Carlos Castaneda, que en otros tiempos más sencillos y en los que confrontar información era mucho más difícil podían decir que habían aprendido a hacer ganchillo con los lamas o que un señor muy raro y muy sabio los había hecho depositarios de todo su arcano saber y poderío a ellos y sólo a ellos... porque sí.

Esto no quita que la película sea una gozada aunque tenga el mismo contacto con la realidad que la Abeja Maya: hay muchas hostias y muy bien dadas y, aunque el argumento cabe en un papel de fumar y todavía te sobra para hacerte un filtro, se lo pasa uno muy bien con esa ristra de gente que parece sacada del Máximo Encuentro de Artes Marciales Bajo el Sol de Dragon Ball. Obviamente cada vez que en pantalla sonaba la canción todo el mundo coreaba ¡ku-mi-té ku-mi-té ku-mi-té! y I fight to survive como si no hubiera un mañana, se abucheaba a Bolo Yeung (conocido de toda la vida en España como "el chino con tetas") cuando exhibía conductas antideportivas, todos nos pusimos de lado de Paco en sus combates y por supuesto

en este momento el cine se vino abajo. Cualquier cosa que os podáis imaginar palidece ante lo que pasó en esta sesión de estilo libre.

Por último, y para acabar por todo lo alto, Comando. Esta por supuesto que la vi en cine, y como buenos frikis en potencia me acuerdo de que ya había discusiones en el patio sobre si era mejor esta o Rambo, o si estaba más mazado el Chuache o Stallone. A mí no me pongáis en la tesitura de quedarme con uno, porque nunca se debe hacerlo entre dos amores, y es un poco como tener que elegir entre el chorizo y el salchichón. Comando tiene todo lo malo que nos gusta y es por tanto bueno, y de jovencitos ya entendimos que aquello era una parodia de sí mismo, una exageración que no te podías tomar en serio más que para reírte y pasarte un buen rato viéndolo, y qué más se le puede pedir a la vida. La cantidad de salvajadas, muertes y destrucción que va sembrando Arnie a su paso se aderezan con las distintas burradas que además vamos escuchando, con frases míticas como "Es un gigante, el muy hijo de puta",  "Te mentí" o el que me parece que es uno de los mejores intercambios de frases de la historia del cine: "¿Has dejado algo para nosotros, John?" "¡Cadáveres!" Es que poco más se puede decir de esta película, es Chuache matando a gente liderada por un Freddy Mercury de Hacendado con gente diciendo chulerías, y que termina en la sala de calderas de una mansión que parece el interior de un submarino nuclear porque presupuesto.

La gente se lo pasó bien, hubo mucha diversión, alguna gente se desvirtualizó después de algún tiempo interaccionando sólo por Discord o Twitch y todo quedó listo para el siguiente sarao en el que muchos nos volveremos a encontrar: